martes, 29 de marzo de 2011

Neds (No educados y delincuentes), de Peter Mullan (2010).

Escocia, verano de 1972. John McGill (Gregg Forrest y Conor McCarron en diferentes momentos) es un chaval de prometedor futuro, es inteligente, sensible y tiene ganas de aprender para ser en alguien en la vida y alejarse de un hogar desestructurado.
A medida que crece, John se deja llevar por la vida en las calles, alejándose de las metas que se había  fijado y convirtiéndose en uno mas de la panda.




Cualquiera puede ver que algo se mueve en Inglaterra, sus producciones tienen una media de interés y calidad cada vez mas elevada pero eso todavía no se refleja en las carteleras españolas donde rara vez se estrenan o pasan fugazmente. Debido al (para mi merecido, pero no se con quien competía) premio a mejor película cosechado en el Festival de San Sebastián podemos disfrutar en nuestro idioma de un trabajo de muchos quilates.
Al igual que films como This is England, Son of Rambow, Rise of the Footsoldier, o los films del (casi) siempre interesante Nick Love, Neds pertenece a esa etiqueta de Aquellos "maravillosos" años, donde el guión nos cuenta la cruda realidad cotidiana de un personaje o del grupo social al que pertenece en una época del pasado reciente.
El actor, guionista y director Peter Mullan, nos cuenta sin ningún tipo de miramientos o concesiones el particular viaje a la oscuridad del tierno infante John McGill, una oscuridad latente que sale a la luz por la influencia de su familia, entorno y el ambiente dictatorial de la educación escocesa.
Gran trabajo de los dos actores que interpretan a John: Gregg Forrest y Conor McCarron (este me recuerda a un joven Brendan Gleeson) y del resto del reparto.
No deja de tener gracia que esta historia comience en 1972 durante lo que se llamó el verano del Glam, cuando las radios se llenaron de la música de David Bowie, T-Rex, Sweet y demás creadores de pegadizo pop/rock. Eran tiempos de colores, brillos y lentejuelas que en esta peli apenas relucen (aunque suena algunos buenos temas de T-Rex o Alex Harvey) debido a la oscuridad que rodea a los personajes.


Gustará mas o menos pero merece MUCHO la pena verla.

domingo, 27 de marzo de 2011

The Warrior's Way, de Sngmoo Lee (2010).


Siglo XIX. Yang (Jang Dong-gun), un guerrero japonés miembro del clan de las Flautas Tristes (no es coña) no cumple con su cometido de asesinar al último de sus enemigos: Una niña recién nacida. Perseguidos por el clan, los dos huyen a Estados Unidos y se esconden en el pueblo fantasma de Lode, allí encuentran un hogar junto a los habitantes del lugar (ex componentes de un circo), Yang regenta una lavandería ayudado por Lynne (Kate Bosworth, la Lois Lane adolescente de Bryan Singer).
El ataque de la banda del desfigurado Coronel (Danny Huston) iniciará el principio del fin.


Estamos ante una entretenida cinta de aventuras a la que no se le puede pedir mas, el director Sngmoon Lee intenta replicar los vicios visuales de Zack Snyder (¿Qué os parece Sucker Punch?, a mi regulera): cámara lenta, poses molonas, escenarios digitales, violencia a cascoporro y a lo que hay que sumar la mezcla de géneros e influencias. Obvia decir que no consigue igualar a Snyder.
Cowboys y samurais ya lucharon juntos en Sol Rojo de Terence Young  con Charles Bronson, Toshiro Mifune, Alain Delon y Ursula Andress pero aquí se añade a la mezcla un toque "MadMaxiano", solo hay que echarle un ojo al look de Danny Huston y sus secuaces.
Cabe destacar la presencia de Geoffrey Rush en un papel secundario, este tío tanto hace una peli seria a lo El discurso del Rey como una coña como Piratas del Caribe, que la verdad se podría haber quedado en casa pues no aporta nada (ni actor y casi ni el personaje).
En fin, una peli palomitera pa'pasar una tarde de domingo lluviosa. Se puede decir que nació con mala suerte pues se comenzó a rodar en Noviembre de 2007 con el título de Laundry Warrior y se acabó estrenando en Diciembre  de 2010, con escasa recaudación y críticas feroces (¿qué esperaban, El Padrino?).


Se me olvidaba comentar que la música corre a cargo del español Javier Navarrete y la verdad es que su homenaje a Morricone no esta mal.

sábado, 26 de marzo de 2011

Te quedan cinco segundos de vida.


Llevaba tiempo queriendo dedicarle unas letricas a El Puño de la Estrella del Norte, a ver que me sale.
Los que me conocen saben que leo comics desde mi más tierna infancia, sobretodo pijameros o superheroes made in USA (de los que reparten hostias como panes vaya). Cuando en los 90 surgió la moda del manga y el anime japonés pues me emocionó pero con el paso del tiempo me fui alejando de todo ello, en el fondo no era lo mio excepto por Hokuto no Ken (El Puño de la Estrella del Norte).
Imagínate un personaje que es el vivo retrato de Sylvester Stallone (era la intención del dibujante), con una personalidad arrogante como el Clint Eastwood de Leone y que suelta frases lapidarias cual Harry el Sucio, y para redondear el conjunto lo vistes como el Mad Max  de George Miller para soltarlo en un entorno post apocalíptico (Miller again) en el que practica un arte marcial letal con resultados gore. El producto final es el manga ideal para un crío como yo al que Son Goku y Seiya ya le empezaban a oler a rancio.


Escrito por Buronson, también conocido como Yoshiyuki Okamura y autor de Santuario, un particular guionista reconocido admirador de Sergio Leone, Sam Peckinpah, Walter Hill, Clint Eastwood, Charles Bronson (de ahí sacó su alias) y con tendencia a un discurso violento y fascistoide que lejos de adoctrinar consigue  sacarle al lector occidental una sonora carcajada. Esto no resta atractivo a la historia sino que lo aumenta, dejándote con ganas de mas "sentencias" a lo Kenshiro. Ejemplo, traducción de la viñeta de arriba: Bastardos! Hoy habeis perdido el derecho a vivir!. Superman no habla así.


Christopher Lambert presta su jeta a Toki/Ameba.

Los dibujos corrían a cuenta del gran Tetsuo Hara otro rara avis que se declaraba seguidor del dibujante definitivo de Batman: Neal Adams. Es raro encontrar dibujantes japoneses que te hablen de comic books pero Hara admite haberse dedicado a copiar viñetas y páginas dibujadas por Adams y la verdad es que se nota la influencia del norteamericano.
En El Puño podemos encontrar las jetas de Christopher Lambert, Boy George, Arnold Schwazenneger, Hulk Hogan, Mr T y podría seguir un rato, todos son homenajeados en los rostros de diferentes personajes. Hara tiende al "colosalismo", exagera las dimensiones de los personajes en busca de momentos molones y es cierto que sus dibujos son un tanto estáticos pero al igual que su compinche Buronson  consigue darle la vuelta a la tortilla y convertir sus defecto en virtudes. ¿Se nota que soy fan?


Buronson y Hara nos cuenta la historia de Kenshiro, el heredero del arte marcial conocido como El Puño de la Estrella del Norte. La técnica consiste en presionar unos puntos situados por todo el cuerpo humano llamados tsubos, estos golpeados en determinado orden y con la fuerza adecuada pueden destruir el cuerpo del rival de maneras espantosas.
Kenshiro es el más joven de cuatro hermanos, todos ellos adoptados por el maestro Ryuken, la relación con sus hermanos y la búsqueda de su novia Yuria a través de un mundo destrozado por un holocausto nuclear será el eje principal de la serie.
Los autores no ocultan el hecho de haber esquilmado el universo creado por George Miller en Mad Max (Hara admite sacar los diseños de cintas VHS de los 2 primeros films) y pasarlo por el tamíz de serial de artes marciales. Lejos de lloverles las críticas negativas, Buronson y Hara fueron encumbrados por el éxito instantáneo de la serie que se prolongó  a lo largo de 5 años (1983 a 1988), con series de TV, películas de dibujos y una de imagen real (horrible) y desde hace unos años una precuela escrita y dibujada por Tetsuo Hara, que perdió la visión en un ojo, y supervisada por Buronson.
El anime fue censurado en su emisión europea (en España no se emitió) durante los 80 y 90, capítulos de 20 minutos reducidos a menos de 10 por su contenido ultraviolento. El manga forma parte de esa serie de títulos de culto pero malditos en España, por dos veces se trató de editar pero siempre con la cancelación de la serie por resultado y se habla de un tercer intento de edición para 2011/2012, ojalá.
Desde aquí recomiendo a los interesados el visionado de la película de animación de 1986, que viene a ser un resumen de los primeros números de la serie y que incluye un pelotazo en forma de japanese hard rock por cortesía de la Kodomo Band.



La serie que ha heredado el espíritu del Puño es sin lugar a dudas Berserk de Kentaro Miura, haceos con su anime de 13 capítulos y flipad.

jueves, 24 de marzo de 2011

Celluloid Heroes (6): Hoy... Marty Feldman, algo más que un par de ojos.


Recuerdo la impresión que me causó ver la jeta de Marty Feldman cuando siendo un crío vi El jovencito Frankestein en un pase nocturno en TVE, y no solo esos ojos a punto de estallar (por una enfermedad tiroidea) sino por la inquieta joroba que poseía Igor/Aigor/Eye-Gor, su forma de "dirigirse" al público (algo que me pareció y parece rompedor), y esa tronchante escena donde le tira los tejos a la impresionada prometida del Doctor Fronkostin, delirante.


Viendo pelis como La última locura de Mel Brooks (Silent Movie), El hermano más listo de Sherlock Holmes y su aparición póstuma en la entrañable Yellowbeard te das cuenta de que este tipo era un cómico de primera, un gran escritor de gags y sketches de los que hacen falta a miles en la comedia de hoy.
Sus conexiónes con Mel Brooks y Gene Wilder lo dieron a conocer al mundo pero en su Inglaterra natal ya había contactado con algunos de los más prometedores talentos de la época como Tim Brooke-Taylor y los futuros Python John Cleese y Graham Chapman. Junto a estos 3 locos compuso uno de los mejores sketches que he visto: The Four Yorkshire Men, con el que los Python lo homenajearon en Monty Python en Hollywood.


Su última broma fue de pésimo gusto pues el muy cabroncete se murió en Diciembre de 1982. Algunos todavía echamos de menos al "hermano mayor de Quique San Francisco".

martes, 22 de marzo de 2011

TV Eye: V 2009. No te dejes engañar.


En Noviembre de 2009 se estrenó el esperado remake/remodel de V, la clásica serie de los lagartos espaciales que causara furor en los 80, y después de 2 temporadas se puede decir que cualquier tiempo pasado fue mejor.
La idea inicial era llevar el tema de la invasión más lejos, el espectador fliparía cuando descubriera que la invasión lleva en marcha 50 años y hay infinidad de agentes durmientes circulando por la Tierra. A lo largo de la primera temporada vemos como se forma un pequeño grupo de resistentes, que no todos los Visitantes apoyan a su líder Anna (Morena Bacarin con un look horrible), y en definitiva como la aparición de seres extraterrestres afecta a una humanidad que basicamente se abre de piernas ante ellos (y eso que las hostilidades no han comenzado).
Después de una buena y prometedora primera temporada vemos como los guionistas tiran todo por la borda al incluir algunos de los argumentos más infantiles que se han visto en la ciencia ficción en mucho tiempo: la lucha de los Visitantes contra las emociones humanas y que parte de su plan se base en extraer el alma humana a toda la población terrestre.
Cada episodio es una repetición del esquema: Anna presenta su nueva ofrenda/amenaza encubierta y la blandengue resistencia debe impedirlo no sin antes tener algún debate moral de lo más simple y vacío.
Tal descalabro no lo levantó ni la presencia de Jane  Badler (la mítica Dianna) y Marc Singer (el puto Mike Donovan) en unos papeles muy discutibles que contribuyen a que la serie tenga un precipitado y muy merecido final.
Detrás de esto está Scott Peters que claramente intentó repetir el éxito de la BattleStar Galactica y su ejemplar remake de hace unos años liderado por Ron D. Moore que ha quedado como un clásico reciente de la televisión, pero no es lo mismo trabajar en un canal generalista como ABC donde has de tener extremo cuidado con el lenguaje, el sexo, la religión, etc y donde el presupuesto para efectos especiales se ha revelado como paupérrimo para estos tiempos. En definitiva, puede que V en otras manos más capaces y en un canal de pago como HBO, FX, Showtime y similares hubiera sido los que lo fans deseábamos: Hostias como panes sin complejos de ninguna clase.


La serie original puede que fuera simplona, le faltaran medios o que el trasvase de miniseries a una temporada de 20 capítulos (el último jamás se rodó) le afectase negativamente pero este remake hace que aquellas añejas aventuras televisivas queden como un auténtico intento heroico de hacer algo atrevido y ambicioso en una época difícil.


Espero que el próximo estreno de La Batalla de Los Ángeles y la nueva serie producida por Spielberg Falling Skies dejen en pabellón de las invasiones más alto que este fallido remake de un clásico que tardará en recuperarse del costalazo.

domingo, 20 de marzo de 2011

Tv Eye: The Shield.

Del 12 de marzo de 2002 al 25 de Noviembre de 2008 se emitió en el canal FX uno de los títulos clave para entender la evolución del formato de Serie de TV en la última década. Lo que empezaron Los Soprano,  The Wire y otras dio una vuelta de tuerca gracias a Shawn Ryan y su particular creación: una serie centrada en las correrías de un grupo de detectives de policía corruptos, con métodos violentos e ilegales pero que marcan la diferencia en las calles. ¿El Mal Necesario?. Además también contaría el día a día en la comisaria de Farmington (distrito ficticio de Los Ángeles) a través de una pareja de detectives, otra de policías uniformados y todos bajo la vigilancia de un capitán de policía con aspiraciones políticas.
El título se debe a la forma de escudo de las placas de los polis (diseño que no tiene que ver con el real para no cabrear al cuerpo de Policía de L.A.) y a que la placa es un escudo que debería mantener al ciudadano alejado del crimen, pero ¿qué pasa cuando es el criminal el que lleva el escudo?
A lo largo de 7 temporadas compuestas por 88 episodios de 40 minutos seremos testigos de los actos perpetrados por el Equipo de Asalto (encargados del crimen organizado) que integran Vic Mackey (Michael Chiklis), Shane Vendrell (Walton Goggins), Curtis "Lem" Lemanski (Kenny Johnson) y Ronnie Gardocki (David Rees Snell). Los guiones no juzgan o demonizan a los personajes, sino que exponen sus acciones dejando al espectador que saque sus propias conclusiones. Añadamos una realización casi documental, con montaje speedico tomado de Corre Lola, Corre (hecho reconocido), en un Los Ángeles "post apocalíptico" lleno de bandas de diversas razas y culturas muy alejado del lujo y el glamour habitual.
El personaje de Vic Mackey ha elevado a los altares a un Michael Chiklis empeñado en quitarse la alargada y oscura sombra del poli corrupto con papeles más amables (y sosos) en TV y cine (participó en las horribles pelis de Los 4 Fantásticos) pero que le granjeó el reconocimiento del los espectadores, de la crítica  además de un Emmy y un Globo de Oro. Tiene mérito destacar tanto en una serie con actores de alto calibre, que demuestran capitulo a capítulo que no hay papel pequeño, pero que no se pueden catalogar de estrellas, aunque si  participan como secundarios de auténtico lujo gente como Glenn Close, Forrest Whitaker, Laura Elena Harring y Franka Potente.
Después de año y medio esperando sin éxito a que Sony editara la última temporada en dvd me decidí a poner fin a la espera por mis propios medios y solo puedo decir de la temporada final que los guionistas, con Ryan a la cabeza, compusieron un acto final coherente para esta película en 88 capítulos.


Para comprender la imagen debeís ver el capítulo final.


The Shield es y será mi serie, la que más me ha gustado, más me ha enganchado. Los Soprano (que no he visto completa) se llevan la fama mientras The Shield carda la lana.



Si ya es mucho pedirle a alguien que gaste 2 horas de su vida viendo una peli que recomiendas imaginate el caso de una serie. Pero si le dais una oportunidad no os defraudará, lo garantizo.

viernes, 18 de marzo de 2011

La canción de la semana: Especial Deep Purple (Mark III).

Tenía pensado incluír algun tema de Deep Purple en el sección 30 años, 30 singles pero los muy cabrones no sacaron ningún single durante mi etapa favorita. Podría haber incluido Smoke on the Water, Strange Kind of Woman pero estaría mintiendo, aunque me gustan esas canciones no marcaron mi vida para nada.
Así que me saco este post de la manga para reivindicar una etapa a la que en su momento no se le hizo demasiado caso. David Coverdale y Glenn Hughes dotaron a los Purple de un sabor Soul/Funk que los convertía en algo diferente a las demás bandas hard rockeras de la época, pero todo no iba a ser bueno y el caprichoso Hombre de Negro Ritchie Blackmore abandonó la nave harto de que los dos nuevos fichajes marcaran la dirección musical a seguir, y así nacieron los Rainbow.
Después del magnifico Burn (se come con patatas al dichoso Machine Head de la era Gillan) y el correcto Stormbringer nació el Mark IV con Tommy Bolin a la guitarra aumentando todavia más la fusión soul/funk en un esplendido disco que se quedó como una muestra de lo que pudo venir.



Y también dejo el trailer de Gettin' Tighter, un documental sobre el último año de existencia de Deep Purple (antes de su reunión ochentera) con el genial y problematico Tommy Bolin  a las seis cuerdas.

jueves, 17 de marzo de 2011

The Naked Prey, de Cornel Wilde (1966).


Africa, finales del siglo XIX, un guía (personaje anónimo interpretado por Cornel Wilde) conduce un safari en busca de elefantes para el trafico de marfil. Tras encontrarse con una tribu , el guía aconseja pagar un tributo a los guerreros de la misma como símbolo de amistad y respeto, pero el arrogante cazador jefe de la expedición, que lidera el grupo, se niega a ello, ofendiendo a la tribu. Como consecuencia, los miembros del safari son hechos prisioneros y asesinados de horribles formas excepto el guía que por ser el único que mostró respeto por las tradiciones tendrá la oportunidad de salir con vida si logra escapar de los cazadores de la tribu a través de la jungla.


¿Susto o muerte?, coñas aparte, un texto en el que los diálogos no ocupaban más de media docena de folios (nominado a los Oscar de 1966 por mejor guión original y también banda sonora) ofrece un grandioso film de aventura y suspense. Cornel Wilde antes de actor y director fue deportista (practicó la esgrima) y demostró que a sus 50 tacos bien podía correr una maratón infernal por la jungla sudafricana, también demostró una gran pericia tras la cámara pues incluyó insertos de la fauna local a lo National Geografic y rodó las muertes (originales y siniestras para la época) de los expedicionarios con estilo documental. Wilde salió victoriosos de la mezcla de estilos y dotó al resultado de personalidad propia.
The Naked Prey (La presa desnuda) es un título de culto que anticipa uno de mis "géneros" favoritos: la caza humana, una película cuya influencia ha sobrevivido al paso de los años y ha generado una descendencia entre la que sobresale la excelente Apocalypto del hoy denostado (por motivos extra-cinematográficos) Mel Gibson.


Más y mejor información en Borgo.

lunes, 14 de marzo de 2011

Apatrullando la ciudad.... dos años antes de Torrente.

Este post  es un homenaje a Apatrullando la ciudad, un corto relacionado con Torrente que revolucionó la adolescencia de un grupo de amiguetes en un pueblo de la provincia de A Coruña.
No recuerdo como llegó el vhs a casa de uno amigos mios (hablad malandrines) pero esa cinta sufrió lo suyo y la vio una cantidad considerable de gente aprovechando los recreos del instituto.



En 1994 Santiago Segura fue entrevistado por Juan Lesta (codirector del corto junto a Sergio Pereira) en una radio local de A Coruña por la proyección de sus cortos. Durante la entrevista Santiago adelantó el argumento de su proyecto Torrente el brazo tonto de la ley e incluso cantó parte de la letra de  la canción que compuso para el Fary: Apatrullando la ciudad. Lesta y Pereiro, que estudiaban Imagen y Sonido, pidieron la correspondiente autorización para usar la frase Apatrullando la ciudad. Esta fue concedida por Segura al que le pidieron que diera vida en el corto al padre del prota, pero debido a problemas de agenda solo pudo intervenir como narrador.
Años después Segura se quejó del corto al que acusó de plagio, cosa que indignó a los autores del mismo pero que se quedó en un malentendido puesto que Josito y Torrente son muy diferentes.

viernes, 11 de marzo de 2011

Bandas Sonoras de películas que no existen (Vol. I).

Hay discos o canciones que parecen trabajos musicales para películas que solo existen en la mente cinéfila del oyente, así que voy a destacar algunas que me gustan y a ver que os parecen.

Santana, Jungle Strut (1971).


En este blog cuando se habla de Santana es refiriéndose siempre a la banda que formaban Carlos Santana, Greg Rollie, "Chepito" Areas, David Brown, Mike Shrieve, Mike Carabello y Neal Schon, así que obviemos su resurrección comercial de hace unos años y centrémonos en su increíble época de blues progresivo afro/latino.
Jungle Strut pertenece a Santana III, editado en 1971 y bien podría haber figurado en algún thriller de acción de la época, imaginaos una persecución en coche por las calles de San Francisco o Los Angeles. Quiza podia haber sido el apoyo musical de alguna peli de tipos duros como Steve McQueen o Clint Eastwood.

Black Sabbtah, Superztar (1975).


Por favor no os fijéis en las pintas que se gastaba la banda en esa época y centraos en esa música que bien podría haber encajado en algún film exploitation (de primer nivel, que quede claro) de El Exorcista, o casi mejor en alguna producción de la Hammer, con esos coros desasosegantes y esa ampulosa orquestación. La época Osbourne daba sus últimos coletazos de grandeza con temas como este.

Pink Floyd, One of these days (1971).


Supuestamente Pink Floyd eran los encargados de realizar la banda sonora de la abortada Dune de Alejandro Jodorowski a mediados de los 70, pero este One of these days bien podría haber figurado en una ida de olla del propio Jodorowski, de Werner Herzog, en alguna aventura de Sci Fi setentera o en cualquier proyecto de difícil de etiquetar como los propios Floyd.

David Bowie, Fascination (1975).


Si los grandes estudios de Hollywood hubiesen intentado filmar un Shaft blanco el tema principal bien podría ser este Fascination donde Bowie suena a Isaac Hayes. Por cierto la canción es una mutación del tema Funky Music de Luther. Bowie: el eterno Vampiro.

Creedence Clearwater Revival, Ramble Tamble (1970).


Aquí hay que fijarse en la parte central (min. 1.50 a 5.30), y lo único que puedo decir es que en esos minutos, en esa música hay una película, no soy capaz de imaginar cual o de que estilo pero hay una peli.

Y mis barrabasadas cinefilomusicales llegan a su fin por hoy. Si con esto no me contratan de asesor musical...

miércoles, 9 de marzo de 2011

Los 10 momentos más emocionantes de la Historia del Cine.

Según la encuesta realizada por Filmclub y Lovefilm los 10 momentos más emocionantes del cine son:

Contiene Spoilers, avisados estáis.

1. E.T. (1982): E.T. se despide de Elliot.

2. Toy Story 3 (2010): los juguetes protagonistas se cogen de la mano para afrontar su destino.

3. Rocky (1976): el combate contra Apollo Creed.

4. Bambi (1942): La muerte de la madre de Bambi.

5. Dos hombres y un destino (1969):  los protas salen de su escondite para el tiroteo final.

6. El mago de Oz (1939):  Dorothy abre la puerta de su casa gris y pasa a un mundo lleno de color.

7. El acorazado Potemkin (1925): la escena de la escalinata.

8. Caballero sin espada (1939):  el momento en que el prota dice eso de: "voy a quedarme aquí para seguir luchando por esta causa perdida".

9. Network (1976):  la confesión de Howard Beale ("Im Mad as Hell").

10. Milagro en Milán (1951): el final de Milagro en Milán.

Y ahora 10 (a bote pronto) según Carga Maldita. No enumero porque.... no me da la gana.

Aviso, Spoilers.

Grupo Salvaje (1969): Pike les dice a sus compañeros: Vamos. Los cuatro hombres inician su mítico paseillo mientras se dirigen a su destino final.

Excalibur (1981): Una mustia y podrida Inglaterra renace al paso del Rey Arturo y sus Caballeros mientras suena Carmina Burana.

El enigma de Gaspar Hauser (1974): Siglo XIX, Gaspar Hauser creció en una mazmorra sin aprender a caminar o hablar. Una vez "depositado" en el mundo real su caso se hará tan famoso que obligará a su captor a tomar medidas. El momento elegido es la muerte de Gaspar.

Tiburón (1975): Me cuesta elegir pero me quedo con la muerte de Quint. Me explico: cuando la vi por primera vez (con uno 10 años) casi me da un infarto del acojone, si eso no es emocionante (otra cosa es en plan lacrimógeno) que venga Dios o un similar y lo diga.

El fantasma del Paraíso (1974): El Fantasma/Winslow se arrastra mortalmente herido, contemplado por la mujer que ama mientras una multitud enloquecida cree que acaba de presenciar un espectáculo de Rock.

Conan el Barbaro (1981): De la película definitiva de Espada y Brujería pero pésima adaptación del personaje de Robert Howard me quedo con la particular oración del cimmerio a Crom.

Crom,nunca antes te había rezado.
No se me da bien.
Nadie, ni siquiera tú, recordarás
si éramos hombres buenos o malos.
Por qué luchamos o por qué morimos.
No.
Lo que importa es que dos se enfrentan a muchos.
Eso es lo importante.
El valor te agrada, Crom.
Concédeme una petición.
Concédeme la venganza.
Y si no me escuchas, ¡vete al infierno!

Mad Max 2, El guerrero de la carretera (1982): La persecución final, Max conduce el trailer con el tanque de combustible mientras las hordas del Humungus le persiguen por el infinito páramo post apocalíptico. Nihilismo puro y duro, otro ejemplo de emoción/excitación. (no seáis mal pensados).

El Bueno, el Feo y el Malo (1966): El Trielo, que música de Morricone,  que tensión, que película.
Trielo: Término acuñado por Sergio Leones para definir un duelo entre tres pistoleros.

Asalto a la comisaria del Distrito 13 (1976). El teniente Bishop y el reo Napoleón Wilson abandonan la comisaria juntos, como iguales.

Y por petición popular (ver comentarios). El Imperio Contraataca (1980): Vader se dispone a congelar a Han Solo. Leia le dice: Te quiero y el muy caradura de Solo le responde un grandioso: Lo sé.

Y estos son mis peculiares y alternativos 10 (bueno 11) hasta que cambie de opinión. ¿Y los vuestros?.

lunes, 7 de marzo de 2011

Los Nuevos Centuriones, de Richard Fleischer (1972).


Roy Fehler (Stacy Keach) se ha hecho agente de policía para poder costearse sus estudios de derecho. Él y sus compañeros recién salidos de la academia patrullarán la ciudad acompañados de veteranos como Kilvinski (George C. Scott) que se encargará de impartir su particular forma de entender el trabajo policial, la vida como agente de la ley irá absorviendo poco a poco al novato Roy.




¿Cómo se me puso haber pasado esta película?, eso es lo que pensé cuando terminé semejante film sobre la vida de un policía. Porque ese es el único hilo argumental que tiene esta película (basada en la novela de Joseph Wambaugh), no hay villano con plan maestro, ni romance imposible, ni historias mil veces vistas ya.
Encontré el planteamiento argumental terriblemente moderno, una especie de Cops setentero donde Roy (Keach) se desenvuelve entre putas, chulos, atracadores, infractores de tráfico, malos tratos y demás fauna callejera mientras su (aparentemente feliz) vida familiar se va desmoronado por la influencia de su trabajo y viceversa.
George C. Scott realiza una impresionante labor con Kilvinski mientras que los jóvenes talentos  (y futura carne de TV) como Stacy Keach, Erik Estrada, Rosalind Cash (El último hombre vivo) y demás actores realizan un buen trabajo interpretativo dirigidos con buen pulso y mucha habilidad (la escena del "enganche" en el coche!!!) por Richard Fleischer.
No comprendo como esta peli es tildada (incluso a día de hoy) como un trabajo menor o thriller de segunda, increíble.
Ah, y no os perdaís el trabajo de Quincy Jones en la Banda Sonora, todo un muestrario de Soul/Funk de ribetes latinos de ese que ningún músico actual puede imitar con buenos resultados (por desgracia).


Esta vez no dejo trailer ni vídeo alguno puesto que no he encontrado nada en la red (ver para creer).

sábado, 5 de marzo de 2011

30 años, 30 Singles (9). Blue Öyster Cult, Don't fear the Reaper.

El tío que decidió poner en la contraportada de la  reedición Tiranny and Mutation (el 2º álbum) de Blue Öyster Cult que estos eran básicamente los Black Sabbath americanos, es el responsable de mi afición a la música creada por este quinteto melenudo. Que su sonido no se puede comparar con el de las huestes británicas lideradas por Tony Iommi es algo que queda patente al escuchar cualquiera de sus discos pero eso no significa que El culto de la ostra azul sea un grupo descafeinado y sin personalidad.
En 1976 editaron su gran éxito Don't Fear The Reaper, canción que suena brevemente en Halloween de John Carpenter y que generó un popular sketch del Saturday Night Live.



Christopher Walken and Will Ferrell in: More Cowbell.


No hagáis caso, que no os coja la Parca.

viernes, 4 de marzo de 2011

Mañana, cuando la guerra empiece, de Stuart Beattie (2010).


Ocho jóvenes australianos deciden acampar durante un fin de semana en un apartado lugar llamado "El Infierno", cuando vuelven a casa comprueban como un ejército extranjero ha invadido el país y ha hecho prisioneros a los habitantes de su pueblo. Ahora deben decidir entre huir o plantar a cara al invasor.


Supongo que los mas veteranos están pensando en el peculiar e ideologizado clásico del bélico que el gran John Milius (¿demandará por plagio?) dirigió a mediados de los 80 llamado Amanecer Rojo (remake en marcha), pero tranquilos que mientras en aquella producción veiamos como el grupo rebelde The Wolverines luchaba por la democracia y el modo de vida americano sin importar el coste, estos chicos australianos luchan por recuperar la libertad y su vida mientras lidian con emociones y sentimientos.
Stuart Beattie (guionista de cosas como Australia) adapta y dirige la primera de las novelas de John Marsden, que en los 90 arrasaron en las librerías australianas generando la friolera de 7 novelas y una trilogía paralela, con un resultado plano y sin personalidad en esta película cuyo único punto de interés es el "asombroso" parecido con la excesiva Amanecer Rojo. Los responsables no han sido capaces de eliminar el tufo a episodio piloto, los debates morales son acartonados y a pesar de estar en guerra siempre hay espacio para el amor y el romanticismo mas panoli.
Después de dedicarle tantos piropos solo puedo decir que no pienso perderme las secuelas (ya confirmadas) de las aventuras de estos guerrilleros "crepusculizados", y es que en el fondo esto tiene un morbo...




No daba un duro por su estreno en España. Ojalá alguna más recomendable como The Troll Hunter también vea la luz en España.

miércoles, 2 de marzo de 2011

Fuga sin fin, de Richard Fleischer (1971).

Después de un paréntesis vuelvo a dedicar un espacio al Cine Clásico con este thriller "ibérico" de Richard Fleischer.

Harry Garmes (George C. Scott) es un antiguo conductor de pago, no le hacía ascos a ningún "trabajo" si la paga era buena. Después de 9 años de inactividad Harry saldrá de su retiro en Portugal para realizar un último trabajo: llevar al preso fugado de una prisión española Paul Ricard (Tony Musante) y a su novia Claudine (Trish Van Devere) a Francia.




Fuga sin fin (The last run) es un entretenido aunque fallido thriller. Debido al nulo interés de los realizadores del film (y del público americano) en los países donde transcurre la acción vemos como casi todo el mundo habla inglés en la mexicanizada (por desértica y ultra rural) Península Ibérica de los 70, menos mal que la Guardia Civil le pide los papeles a George C. Scott en el idioma de Cervantes para que podamos comprobar que el veterano astro hollywoodiense habla un perfecto castellano "fonético".
Otro caso es el del preso Paul  Ricard que interpreta Tony Musante (El pájaro de las plumas de cristal, Salario para matar), de este personaje no sabemos gran cosa ni siquiera su nacionalidad (desde luego español no es) y el tema de su encierro en España no queda muy claro.
John Houston comenzó a rodar este film del que desentendió al no poder lidiar con Scott ni con el guión (al que le falta trabajo), una vez que Fleischer tomó las riendas del proyecto la cosa deriva en una correcta road movie de cierto tono crepuscular a la que le falta mala leche y cierto nihilismo como el que desprendía la mítica Quiero la cabeza de Alfredo García del Maestro Sam Peckinpah.
No puedo acabar estas lineas sin recordar la presencia de los fallecidos Aldo Sambrell, que interpreta a un pescador portugués amigo de Garmes y que habal un perfecto inglés (como no), y Jerry Goldsmith que realiza un gran trabajo musical.
Transporter tenía un antepasado Ibérico (Garmes es hijo de americano y portuguesa) que protagonizó una entretenida aventura que pudo dar mucho más de si con un guión mas depurado.

A falta de un trailer os dejo una escena de persecución muy bien rodada por Fleischer.

Free counter and web stats