Ay!, Que me secuestran!!!.

Homenajes a Sé lo que hicisteis aparte, este fin de semana se ha saldado con dos buenas películas que siendo diferentes comparten temática.

5150, Rue des Ormes, de Éric Tessier (2009).

Yannick Bérubé (Marc-André Grondin) es un joven estudiante de cine, se acaba de mudar a un nuevo piso lejos de su familia y novia. Su primera tarea es realizar un vídeo sobre su vecindario así que se va a dar una vuelta en bici acompañado de su cámara de vídeo.

Durante el paseo Yannick se cae de la bici,  que queda destrozada, y pide realizar una llamada telefónica en la casa más cercana, una vez dentro se dará cuenta que llamar a la puerta de los Beaulieu no ha sido su mejor idea.

La familia Beaulieu es un grupo totalmente desquiciado compuesto por Jacques (Normand D'Amour), una especie de psycho justiciero, su apocada mujer Maude (Sonia Vachon), la violenta adolescente Michelle (Mylène St-Sauveur) y la pequeña Anne (Élodie Larivière). Después de días de cautiverio y pasar por amargas experiencias, Yannick tendrá una oportunidad de salir con vida: debe ganar una partida de ajedrez al invicto Jacques.

Jamás perdí una partida, ¿sabes por qué?.

Porque lo que hago está bien, porque soy justo.

Vénceme. Una sola victoria significará que estoy equivocado.

Jacques Beaulieu, padre de familia, taxista y psicópata.

Anotad el nombre de Patrick Senécal, este novelista canadiense es el creador de esta historia que originalmente vio la luz como novela y él mismo ha realizado el guión como ya hizo en la reciente Les 7 jours du talion que ya comenté en su momento. Las historias de Senécal son especialmente agobiantes y se respira un ambiente insano y opresivo, me gustaría ver los frutos de un posible unión entre Senécal y David Fincher, pero estoy divagando.

Éric Tessier lleva eficazmente la dirección de esta fenomenal historia de locura y obsesión donde todo es más complicado de lo que puede parecer a primera vista.

Interpretaciones de nivel, especialmente la de los 2 protagonistas principales, y una sobria puesta en escena en una película maravillosamente malsana y adictiva.

Sinceramente, de lo mejor que he visto en mucho tiempo. A ver si los americanos aprenden de sus vecinos canadienses (francófonos).

No se ha estrenado en España así que si os la "encontraís" por ahí dadle una oportunidad si no queréis que me enfade y no os gustaría verme enfadado.

Secuestrados, de Miguel Ángel Vivas (2010).

Jaime (Fernando Cayo), Marta (Ana Wagener) y su hija Isa (Manuela Vellés) se han trasladado a su nueva casa, en una acomodada urbanización de las afueras. Cuando se disponen a celebrar su primera noche en el nuevo hogar, una banda de tres encapuchados irrumpe violentamente con el objetivo de conseguir la mayor cantidad de dinero posible sin importarles el horror y el dolor necesarios para alcanzar su objetivo.

Miguel Ángel Vivas sale triunfador de esta aventura que consistió en rodar la película mediante el encadenamiento de una serie de planos secuencia, no solo están bien planeados y bien resueltos sino que no entorpecen la narración del tormento que sufre la familia protagonista. De Palma... digo Vivas también recurre al olvidado (y denostado) recurso de la pantalla dividida para contar acciones paralelas y contribuye a consolidar el peculiar estilo visual de la cinta. En términos de guión la película no aporta gran cosa  al "genero" solo  crudeza en cuanto a intenciones y violencia, si quieres ver alguna peli de este estilo pero con un "plus" añadido será mejor que le eches un ojo a Funny Games, Martyrs o incluso 5150 rue des Ormes. Por buscarle pegas a este film diría que la excesiva violencia (sobre todo en el último tercio) no se corresponde con la empleada (por lo general) en este tipo de crímenes que suelen terminar con magulladuras, moratones y algún que otro diente de menos (traumas psicológicos aparte).

Buen trabajo actoral, especialmente el de Ana Wagener y Manuela Vellés al que hay que sumar el hecho de que dos actores como Fernando Cayo y Dritan Biban se quitan de encima los personajes "amables" que suelen encarnar en televisión.

En definitiva: me ha gustado mucho esta Secuestrados que mantiene al espectador clavado al asiento desde el minuto 1 al 90. Que pena que su aventura comercial se pueda saldar con una escasa recaudación.

Dejaos secuestrar.
Acabo de descubrir que Le 7 jours du talion se ha estrenado como ENCIERRO MALDITO (¿dedicado a un servidor?), así que no perdaís la ocasión de echarle un vistazo.

Burke and Hare, de John Landis (2010).

1827, Edimburgo (Escocia), la enseñanza de medicina está dividida entre los métodos novedosos del doctor Knox (Tom Wilkinson) y los mas anticuados del doctor Monroe (Tim Curry), este último aprovecha sus contactos con las altas esferas para prohibir el comercio de cadáveres para estudio médico.

Dos pícaros irlandeses de baja estofa como son William Burke (Simon Pegg) y William Hare (Andy Serkis) se dedicarán al tráfico de cuerpos mediante el asesinato....

John Landis demuestra que todavía le sobra habilidad para realizar una buena comedia y lo demuestra con esta grata sorpresa que es Burke And Hare.

Como dicen los títulos iniciales: Esta historia está basada en hechos reales, excepto las partes que no. Burke y Hare realmente existieron pero es lo de menos, Simon Pegg y Andy Serkis (Gollum) realmente forman un buen tándem cómico realzado por secundarios de nivel como Tom Wilkinson y Tim (infravalorado) Curry, además cuenta con la aparición de algunos cómicos ingleses en forma de cameos como el veterano Ronnie Corbett, Reece Shearsmith (The League of Gentlemen), Jessica Hynes (Spaced), Stephen Merchant (el socio de Ricky Gervais), a los que hay que añadir: la recordada Jennifer Agutter, el gran Christopher Lee o Ray Harrihausen.

Todos juntos en esta producción de la recordada y recuperada Ealing Studios (El quinteto de la muerte y cientos de comedias británicas) que demuestra que en estos tiempos de tontunas y tontadas todavía hay espacio para la buena comedia de raíces clásicas, la recomiendo encarecidamente.

Ya se ha editado en dvd  en USA y UK y no confío en que se estrene en nuestros cines así que yo de vosotros.... bueno, sabéis lo que quiero decir.

Min bedste fjende, de Oliver Ussing (2010).

Un colegio colegio danés sera el epicentro de una revolución. Alf es el punching ball de los matones de su clase debido a que es un enclenque que practica ballet, dicha afición le costará una brutal agresión que terminará con un dedo del pie roto. Durante su convalecencia se aficionará a uno de los mangas que lee su hermana pequeña, el héroe de los mismos es un tal Niccolo que lucha para vengar la muerte de su familia.

Estas lecturas harán que Alf conciba un plan para el que necesitará un socio, el elegido es Toke (un gordito al que gustan a los animales) y entre los dos forman un club secreto con normas y distintivos que exige sacrificios a aquellos que ansían cambiar el orden social en el colegio.

Cuando las cosas van más allá de lo planeado, Alf se da cuenta que ha creado un monstruo.

Nos pegan, nos escupen, se ríen de nosotros.

Has de ser astuto como un zorro para sobrevivir.

Estas frases no pertenecen a Rambo o a Harry Callahan, tampoco las saqué de Braveheart, Gladiator o 300, estas líneas las pronuncian los protagonistas de la película Min beste fjende o My good enemy que viene a ser una fábula moderna acerca del poder  utilizando a un grupo de niños como personajes.

La presencia de adultos es reducida a la mínima expresión necesaria para llevar a cabo la realización de esta peculiar lucha de clases entre matones cool y parías que dará pie a una escalada de hostilidades que va desde simples putadas a cosas más serias.

Sacrificios personales, disciplina, violencia, falta de escrupulos, con todo esto debes lidiar si quieres formar parte del Club (de la lucha?), pero luego no te quejes de los resultados.

Al ver esta película (o las noticias, realitys, etc) uno se pregunta si su infancia fue normal, mis recreos no tenían nada que ver con los de ahora que vienen a ser una mezcla entre Sensación de vivir, The Warriors de Walter Hill  todo bien sazonado de los usos y costumbres de la Edad Media. Viví tiempos mas inocentes y en algún aspecto mejores (hablo como un viejo).

Herzog de la Jungla: Fitzcarraldo + Burden of Dreams.

A riesgo de convertir el blog en el club oficial de Fans de Werner Herzog vamos a comentar 2 imprescindibles obras relacionadas con el maestro aleman.

Casi 10 años depués de meterse en la selva para rodar Aguirre, la cólera de Dios, Werner Herzog acometío una empresa casí imposible.

Fitzcarraldo, de Werner Herzog (1982).

Brian Sweeney Fitzgerald (Klaus Kinski) al que los "indios" llaman Fitzcarraldo (no consiguen pronunciar correctamente el apellido) es un empresario venido a menos en  Perú a comienzos del siglo XX, su fortuna despareció cuando intento construir una linea ferroviaria Transandina. Desde entonces sobrevive fabricando hielo mientras sueña con construir un palacio de la ópera en medio de la selva.

La pareja de nuestro protagonista es Molly (Claudia Cardinale, que mujer señores), que decide ayudar financiando un alocado plan: Fitzgerald se convertirá en empresario del caucho explotando unos terrenos inaccesibles, pero el espíritu y la genialidad del este loco hará realidad lo imposible y para ello deberá arrastar su barco de vapor sobre una empinada colina.

La cuarta colaboración entre Herzog y Kinski no fue planeada como tal, originalmente el rodaje comenzó en Diciembre de 1980 con Jason Robards, Mick Jagger y Claudia Cardinale, en Febrero del 81 Robards  enferma y lo trasladan a EEUU donde le recomiendan unos meses de reposo, ante esta situación Jagger abandona el barco (nunca mejor dicho) por problemas de agenda relacionados con la inminente gira de presentación del mítico álbum de los Stones Tattoo You.
Herzog no se acobarda y reescribe el guión eliminado el personaje de Jagger y durante un momento de locura transitoria piensa seriamente en protagonizar él mismo la película. Afortunadamente el cineasta alemán recapacita y viaja a New York donde se cita con su "enemigo" Kinski que le recibe con una botella de champán gritándole: Sabía que yo sería Fitzcarraldo, lo supe desde el principio y tu también!!!.
Una vez embarcado el astro aleman, el rodaje de Fitzcarraldo se convertiría en una autentica aventura de la que ya hablaré mas tarde.
Personalmente considero a Fitzcarraldo como la versión positiva o menos siniestra de Aguirre la cólera de Dios, las dos tratan de la obsesión enfermiza pero Brian Sweeny Fitzgerald en un loco genial que se enfrenta  a la dura realidad sin importarle perder su (escasa) fortuna o convertirse en el hazmerreir local. El magnetismo del protagonista es tal que cuando comienzan los trabajos para arrastar el barco colina arriba uno no puede evitar "empujar" el navío para echar una mano en la arriesgada empresa. Dichas escenas fueron rodadas sin efectos especiales pues Herzog quería convencer al espectador que tal cosa era real, no un vulgar truco óptico "made in Hollywood". Una escena que hoy en día ningún productor en su sano juicio permitiría rodar si no es con CGI.
A partir de este Fitzcarraldo la carrera de Herzog comenzaría una época errática, mas volcada en los documentales pero que todavía capaz de producir buenos momentos cinematográficos.

Burden of Dreams, de Les Blank (1982).

Werner Herzog se iba a embarcar en un rodaje que se extendería casi dos años, afortunadamente el documentalista Les Blank estaba allí con su equipo para inmortalizar una de las últimas aventuras cinematográficas.

Durante unos escasos 95 minutos Blank muestra los momentos mas intensos del rodaje de Fitzcarraldo, convirtiendo este documental en un complemento imprescindible para entender y vivir plenamente la "experiencia" Fitzcarraldo.

Curiosamente el explosivo carácter del divo alemán Klaus Kinski no se convirtió en la habitual fuente de problemas que sus erupciones de furia  convertían en algo corriente (pero tampoco es que estuviera tranquilo), un rodaje en el que se incluyen prostitutas como parte del equipo no puede ser normal.... ¿o si?.

Durante el metraje vemos un poco del material rodado con Jason Robards y Mick Jagger, como el cámara Thomas Mauch casi pierde la mano, la historia del trabajador que se amputó un pie con una sierra mecánica al ser mordido por una serpiente, conflictos con los indios, con políticos y con guerrilleros, y a todo esto hay que sumar las dificultades de rodar en el corazón de la jungla peruana con todos los problemas que conlleva: climatológia adversa, escasez de suministros, inseguridad en un ambiente hostil, unos extras indígenas que se ofrecen para asesinar a  la estrella principal (Kinski, como no), etc...

Durante el rodaje Herzog escribió un diario con una letra casi microscópica que ha sido publicado en España hace poco y que se titula Conquista de lo Inútil.

Lo recomiendo efusivamente a todos aquellos interesados en el cine de Herzog y/o en rodajes cinematográficos.

Y por una temporada dejo de dar la vara con Herzog.

Incident At Loch Ness, de Zak Penn (2004).

La trama de este documental trata el rodaje de 2 documentales: John Bailey filma un documental sobre el director alemán Werner Herzog que se propone realizar un documental sobre el monstruo del Lago Ness.

Herzog estará acompañado por el guionista Zak Penn (X Men 2, El Increible Hulk) que ejerce de productor, un equipo de filmación, un biólogo marino, una supuesta técnico de sonar y el capitán del barco que los lleva por el archifamoso lago escocés.

Durante la/s filmación/es los conflictos entre autor e industria, realidad y ficción estallarán mientras algo desconocido asusta y ataca a los protagonistas: Nessie?.

Una de las mejores comedias de la última década (y me quedo tan ancho) y un gran exponente de las posibilidades del falso documental.

Penn (auténtico director del invento) y Herzog aprovechan para tirar con bala sobre ciertos aspectos del peor Hollywood, ese que pretende controlar toda la labor de los creadores audiovisuales para facturar vacíos productos de usar y tirar (¿como los que guioniza el propio Penn?); un claro ejemplo es la inclusión en el documental de la modelo Kitana Baker como reclamo sexual.

Además se incluyen homenajes a alguna que otra película e incluso Penn se chotea de su compinche Herzog a costa de la famosa anécdota que dice que el cineasta alemán dirigió  a Klaus Kinski a punta de pistola durante el rodaje de la monumental Aguirre: La cólera de Dios.

La colaboración entre Penn y Herzog continuó en la comedia sobre el mundo del Poker: The Grand, donde Werner interpreta al siniestro jugador profesional conocido como The German (El Aleman).

Detective (1977).

1. Recognition
2. Got Enough Love*
3. Grim Reaper*
4. Nightingale
5. Detective Man
6. Ain't None Of Your Business*
7. Deep Down
8. Wild Hot Summer Nights
9. One More Heartache*

*Producido por Jimmy Robinson.

Directamente escupido del túnel tiempo y remasterizado por el sello Rock Candy Records para disfrute de los aficionados de eso que se ha dado en llamar Rock Clásico, así es como ha llegado a ver la luz esta joya del rock setentero.

Michael Des Barres, el eterno aspirante británico a Rock Star había disuelto los glammies Silverhead y se dispuso a cruzar el Atlántico para formar su nueva banda en la que contaría con la guitarra de Michael Monarch (Steppen Wolf), el bajo de Bobby Pickett, la batería "Bonhamniana" de Jon Hyde y los teclados del Ex-Yes Tony Kaye.

Foto promocional: Pickett, Kaye, Des Barres, Hyde y Monarch.

La banda no pudo nacer con más suerte pues fichó por el recién nacido sello Swang Song propiedad de los entonces Todopoderosos Led Zeppelin.

La banda se metió de cabeza en los Record Plant Studios con el productor Andy Johns, exceptuando 4 cortes producidos por un tal Jimmy Robinson que venía a ser un pseudónimo de Jimmy Page y parió uno de los mejores albumes debut de la década.

El sonido de Detective estaba influido esencialmente por Led Zeppelin pero pasado por un tamiz de soul/funk que dotaba a lo que parecía una banda de imitadores de personalidad propia.

Las hostilidades se iniciaban con la oscura Recognition, con la voz de Des Barres escupiendo verdades acerca de la fama mientas Hyde y Pickett dan una lección de como ha de tocar una buena seción rítmica..

Got Enough Love es una mezcla de potente y pegadizo soul/rock que da paso a la apabullante Grim Reaper, un ejercicio de Funk potenciado por una batería Zeppeliana.

Nightingale es la obligada pieza lenta, ahora es el turno de Detective Man un clásico rock n' roll 70's, Ain't None Of Your Business fue versioneada por Kiss que pensaban grabarla con Peter Criss a la voz pero descartaron la idea.

Deep Down es una pieza instrumental influida por el rock progresivo mientras que Wild Hot Summer Nights es otra muestra de la peculiar fusión entre rock y música negra. La fiesta termina con otra muestra del rock potente a la vez que elegante que se gastaba esta gente: One More Heartache con su batería producida con el mismo método con el que se obtuvo el sonido de batería de la genial When the leeve breaks de Led Zeppelin IV.

Desafortunadamente el disco llegó tarde pues las huestes punk golpeaban las puertas del mundillo musical para derribarlo todo y Detective no fueron el pelotazo que se merecían ser, otro disco y un directo promocional fueron los frutos de una banda talentosa que llegó tarde al negocio musical.

Un disco facturado con clase, estilo y buen gusto para paladares exquisitos en esto del Rock.

Los fans de MacGyver puede que recodéis a Michael Des Barres como el actor que encarnó a la némesis definitiva de Richard Dean Anderson en la mítica serie ochentera: Murdock.

La canción de la semana: Big Bottom, de Spinal Tap. Felíz Big Culo Day.

Que mejor manera de celebrar la cuarta edición del Big Culo Day que con la canción que podría ser su Himno Oficial: Big Bottom. Spinal Tap crearon una oda al culo basado en el triple bass attack conformado por Smalls, St. Hubbins y Tufnell.

Señoras y señores, con todos ustedes los LEGENDARIOS SPINAL TAP!!!!

Y de propina la versión acometida en el Live Earth acompañados por algunas jetas conocidas.

Mi aportación al Big Culo Day es un clásico, Frank Cho da su versión de Hulka.

Happy Big Culo Day.

Trolljegeren / The Troll Hunter, de André Øvredal (2010).

Esta película documental se ha realizado a partir de as  filmaciones realizadas por un grupo de estudiantes universitarios. Los autores de dichas grabaciones han desaparecido y nada se sabe de ellos, pero el contenido de las mismas ha sido autentificado más allá de toda duda.

Los documentalistas investigan a un supuesto cazador furtivo que recorre Noruega controlando la población de Trolls, matando a aquellos que salen de sus habitats para masacrar ganado y eventualmente personas, el gobierno financia en secreto el control de la población Troll desde siempre, estas cintas lo demuestran y han sido publicadas para que el mundo conozca la verdad.

 

El falso documental o mockmentary parece que ha arraigado definitivamente entre los gustos del público y realizadores pues es una formula atractiva a la vez que barata para presentar historias de todo tipo. Aunque originalmente los primeros frutos de este género fueron comedias como Zelig o This is Spinal Tap  cuya influencia generó cintas como Very Important Perros (y todas las de Christopher Guest) o las barrabasadas de Sacha Baron Cohen como Borat o Brüno. Dentro del género fantástico tenemos ejemplos desde la añeja Holocausto Caníbal hasta las más recientes El Proyecto de la Bruja de Blair o Monstruoso a las que ahora se suma esta estimable producción noruega que sin alardes ni pretensiones te invita a pasar una muy divertida hora y media delante de la pantalla.

Rodada esencialmente de noche y con apoyo de una cámara  infrarroja vemos el recorrido de los protagonistas desde el incidente del oso, que da pie a la investigación, hasta los más profundos secretos relacionados con los Trolls: razas, alimentación, longevidad, reproducción.

Impresionante, esa es la única palabra que se me viene a la cabeza para calificar la representación de los Trolls especialmente el de la A-CO-JO-NAN-TE escena final, realmente estamos ante la contrapartida lúdica de la estimable Monsters, de Gareth Edwards.

Una opción muy recomendable si no te van las pelis PRO-OSCAR que pulularán por los cines durante las próximas semanas.

Ya me gustaría ver a David El Gnomo enfrentándose a estos bichejos, Bwa ha ha ha...

Breve disertación sobre el Western Clásico y el (Pos)Moderno.

No le hagáis mucho caso al título del  post (robado a Muchachada Nui) pues solo encontrareis mi habituales gañadas sin sentido, una vez aclarado esto, vamos al lío.

Ayer fui a ver Valor de Ley de los hermanos Coen acompañado por los sospechosos habituales y al salir del cine y comentar la película en cuestión fui el único al que no le gustó en absoluto. No es una mala película ni mucho menos, pero quitando el aspecto visual el contenido es exactamente que el de cualquier Western Clásico de la era Ford y Cia, y ese es el problema o mas bien mi problema: no me gusta nada ese tipo de cine con buenos muy buenos y malos muy malos. Después de esto queda claro que no he visto el orginal de Hathaway protagonizado por John Wayne.

 

Demasiada moralidad de blanco y negro cuando a mi me va mas la escala de grises, por no hablar del personaje de Mattie Ross (Hailee Steinfied) que es directamente increíble (una burócrata de 14 años criada en medio de ninguna parte). El tema de la relación entre viejuno desagradable y niña esta demasiado trillado, por veces parecían Heidi y el abuelo armado con un Winchester.

Aun por encima no paro de leer críticas que la califican de Western Posmoderno por su tono crepuscular y desmitificador cuando en mi opinión es todo lo contrario.

Los Coen no arriesgaron nada y se han sacado de la manga una película correcta pero que no aporta nada al Western, un género que necesita una gran revitalización para no resultar rancio a las generaciones que no lo han mamado desde pequeñitos.

Lo que tiene el cine, te venden esta peli como si fuera en nova mas cuando hay películas de hace 30 o 40 años que resultan rompedoras en comparación con esta, por ejemplo: Patt Garrett And Billy the Kid.

La historia de Patt Garrett y Billy el Niño es puro mito americano, pero nunca resultó tan moderna hasta que Sam Peckinpah fue contratado para sacar adelante esta película que inicialmente iba a dirigir Monte Hellman. El tito Sam reescribió el guión en compañía del autor del mismo (R. Wurlitzer) y apechugó con el previamente contratado Bob Dylan, después de todo esto Peckinpah obtuvo su mayor y mejor trabajo y como recompensa la Warner Brothers le editó el film desfigurándolo por completo (hoy en día está restaurado). La respuesta de Sam debía ser de tanta contundencia como la afrenta de la que había sido víctima, así que renunció a la ciudadanía americana.

En Patt Garrett y Billy el Niño nos encontramos con un duelo entre dos auténticos hijos de puta, te podrán caer mejor o peor pero son dos H. de P., la historia es dura con momentos realmente magistrales como el inicio con las gallinas tiroteadas mientras vemos el destino final del anciano Garrett (inconmensurable James Coburn), la huida de Billy (Kris Kristofferson) y que me decís de la orgía que se pega el cabrón de Garrett antes de ir a por Billy, eso es desmitificador y crepuscular y los demá son tonteridas!!!.

Aquí no se trata de lavar la imagen de algún desalmado (como el General Custer) para crear aun héroe americano se trata de reflejar con toda su crudeza la verdad de como Garrett mató a su antiguo compinche Billy (un criminal se mire por donde se mire) por orden del Gobernador Wallace (Jason Robards) y los ganaderos del condado ya que atentaba contra sus intereses económicos.
Y que decir de la música del film, yo no soy un fan de Dylan pero Knocking on Heaven's Door suena a gloria sobretodo gracias al uso que hizo de ella y del resto de música de Dylan ese viejo zorro alcoholizado que era Peckinpah, hoy le lloverían los premios por su maestría y le aclamarían como gurú del cine moderno pero en los 70 era un paría.

A continuación podéis ver una de las (a mi juicio) mejores escenas de las Historia del Cine: la muerte del Sheriff Baker (Slim Pickens), un personaje insignificante para la trama al que Peckinpah le regaló un momento de gloria. Si no te emocionas con esto, una de dos: o eres un Replicante Nexus 6 o estas muerto por dentro.

Pat Garrett and Billy the Kid era posmoderna por desmitificadora y crepuscular en 1973. Estos críticos de hoy en día...

Los Rostros del Mal (3): El Ultra Humanita.

El malvado protagonista de hoy es ese simio albino que canta victoria y no es para menos, tiene atados a los Infinity Inc. y ha corrompido a la Sociedad de la Justicia de America (los de los cuchillos). Una portada que nunca olvidaré pues pertenece a uno de los primeros comics que compré en mi vida.

Supongo que incluso las personas que no leen comics saben que el primer superheroe de todos los tiempos fue Superman, pero ¿quién fue el primer Supervillano del Historia del comic?. La respuesta es simple: El Ultra Humanita.

 

 Versión Mad Doctor.

 Ultra H (para abreviar) debutó en el nº 13 de Action Comics allá por el 1939 y era un brillante científico atrapado en una silla de ruedas capaz de poner en apuros al Hombre de Acero con sus avanzadas y mortíferas creaciones. Los creadores de Superman (Siegel y Schuster) parieron mas tarde a Lex Luthor como un científico loco con el pelo rojo, pero posteriormente y por un error de un dibujante la apariencia de Lex cambió y le dibujaron calvo. Esto planteó un dilema a la editorial: Superman tiene dos villanos calvos y científicos, hay que eliminar a uno. El elegido fue el pionero Ultra Humanita.

Pero no fue el final del villano ya que después de escapar de la muerte (como no) el cerebro de Ultra H fue transferido mediante cirugía (siniestro incluso para estos tiempos) al cuerpo de la estrella de Hollywood Delores Winters, esto le confería la habilidad de esconderse en cualquier cuerpo y lo convertía en alguien todavía mas peligroso.

 Versión Delores Winters.

En 1981 los autores Gerry Conway (Guión) y George Pérez (MAESTRO del dibujo) presentaron la nueva fachada bajo la que se ocultaba el cerebro de Ultra H: el simio albino del inicio del post, y desde entonces ha sido su cuerpo oficial quitando alguna excepción.

Un personaje con mucho bagaje y gran potencial del que todavía no se ha escrito una historia que le haga justicia, bueno la miniserie La Edad de Oro pero era una historia alternativa. Algún día podrá gritar de verdad eso de:

 

Espero que le cambien el body pero ya.

30 años, 30 Singles (8). The Cult, Love Removal Machine.

Comenzaron en 1982 bajo el nombre The Southern Death Cult en la escena gótica inglesa, después con el nombre recortado a The Cult, Ian Astbury (voz, el moreno) y Bill Duffy (guitarra, el rubio) comandarian la banda hasta su desaparición a mediados de los 90 y en posteriores regresos.

Siempre mutando, desde sus inicios góticos pasando por su reconversión en AC/DC (Electric, producido por el gurú Rick Rubin), la aproximación a Led Zeppelin (Sonic Temple, producido por Bob Rock pre-Metallica) o las experimentaciones del álbum The Cult (1994) han demostrado una enorme capacidad para generar canciones que destilan talento puro.

Como muestra del buen hacer de una de las últimas (para mi) grandes bandas que ha parido la Gran Bretaña pongo a vuestra disposición un trallazo de puro y duro Hard Rock del disco Electric: Love Removal Machine que alcanzó el nº18 en los charts británicos y el 15 en los americanos allá por el 87, que tiempos aquellos en los que el Hard Rock dominaba el mundo. Atentos al comienzo en plan Sergio Leone.

El doctor Kinski recomienda altas dosis de los discos Electric y Sonic Temple para curar todas las deficiencias rockeras en su organismo.

Extrañas compañias: The Fighter y Whitesnake.

The Fighter de David O. Russell (Tres Reyes) ha sido una agradable sorpresa pues el tema boxeo + drama + basado en hechos reales no me llamaba la atención, y siendo sincero visto Rocky y Toro Salvaje pa'que ver mas. Pero el resultado de la unión Bale (¿el mejor actor del momento?) y Wahlberg (tiene más talento del que parece) a la que hay que añadir una retahíla de secundarios que retratan a la familia/parásitos white trash que convierten la película en algo diferente a lo visto en anteriores dramas deportivos.

En fin, una película que hay que ver independientemente de las nominaciones a los Oscars y otros premios, pero lo que más me llamó la atención fueron las canciones que ilustran las imágenes creadas por O. Russell. Desde Led Zeppelin (Good Times, Bad Times) a Rolling Stones (Can you hear me knocking) pasando por Aerosmith (Back in the saddle), todas ellas sirven no solo de fondo sonoro sino que sus títulos tienen que ver con lo que sucede en la pantalla. 

Lo más chocante fue ver/escuchar como en esta película se reivindica a una banda habitualmente vilipendiada (a veces con razón, para que voy a mentir) como los Whitesnake de David Coverdale. El tema Here I Go Again (87) suena un par de veces y tiene su momento de gloria cuando los dos hermanastros protagonistas la canturrean al unísono

Coverdale en tiempos mejores

Desde principios de los ochenta la mayor ambición de Coverdale era cruzar el Atlántico para que su banda triunfara en los States ya que Europa se le había quedado pequeña. Poco a poco comenzó a americanizar su sonido pero la jugada maestra llegaría en 1987 cuando Coverdale reinventa a su grupo , gracias al fichaje de un genial John Sykes,como una superbanda Hair Metal llegando a lo mas alto de los charts gracias a las canciones del álbum Whitesnake también conocido como 1987. En el disco figuraban 2 remakes: Criying in the Rain y el Here i go again (87) ambas ya aparecieron en el disco de 1982 Saint and Sinners, pero la versión americanizada de Here i go... llegó al nº1 de los charts americanos dándole la razón al amigo David.

Todo lo bueno no suele durar y la calidad del siguiente disco (Slip of the Tongue) y los cambios en los gustos y tendencias acabaron con la banda durante un gran periodo de tiempo.

Para los no iniciados en tema " Coverdaleniano" aquí dejo los vídeos de ambas versiones para que juguéis a buscar las diferencias. Tawny Kitaen no cuenta.

Quiero terminar con unas palabras de recuerdo para Gary Moore, a pesar de no ser un gran seguidor suyo debo admitir que se ha ido uno de los grandes de la guitarra,  un instrumento venido a menos debido a la falta de gente como Moore en la escena musical actual. Descanse en Paz.

Los Rostros del Mal (2): Doctor Christian Szell.

Para crear un buen villano no hace falta romperse la cabeza, basta con buscar en los miedos mas comunes, ¿y que aterroriza más que un dentista?. El buscado criminal nazi doctor Christian Szell (el enorme Laurence Olivier) es un remedo de Joseph Mengele que torturó las encías de Dustin Hoffman (en una escena que provocó mareos en los cines) mientras buscaba sus diamantes perdidos en ese thriller de John Schlesinger llamado Marathon Man, que recomiendo fervientemente.

Por historias de la vida he pasado bastante tiempo en la silla del dentista y la cosa iba bien hasta que vi Marathon Man.

El Fantástico John Boorman: Zardoz y El Exorcista II: El Hereje.

Fue hace muchos años cuando en la tele vi Excalibur (una película imprescindible) y anoté mentalmente el  nombre John Boorman. Años después vi La Selva Esmeralda (film incomprendido), Defensa (otro imprescindible), A Quemarropa, Infierno en el Pacífico (¿os acordáis de Enemigo Mio?), El General, vamos que me convertí en seguidor del realizador británico y en mi empeño de visualizar la mayor cantidad de la obra Boormaniana me atreví con Zardoz y El Exorcista II. Hace ya tiempo de eso y están algo borrosas en mi memoria cinematográfica pero aquí dejo unas cuantas palabras sobre dos obras Malditas dentro de la filmografía de un grande del cine como John Boorman.

Zardoz (1974).

Una sinopsis de Zardoz no es tarea fácil pero allá voy.

En el año 2293 el mundo está habitado por una raza de inmortales dedicados  a labores científicas e intelectuales que llevan a cabo en un lugar, protegido por una barrera invisible, llamado el Vortex. En el exterior de esta barrera se encuentran los humanos o exterminadores dedicados a la violencia y al caos mientras veneran al dios Zardoz.

Un exterminador llamado Zed (Sean Connery) logra llegar al Vortex donde dinamitará el apacible modo de vida de los inmortales, estos estudiarán a Zed antes de destruirlo.

Rodada con apenas 1 millón de dólares (las ganancias de Boorman en Hollywood), con un voluntarioso Sean Connery como estrella (en lugar del deseado Burt Reynolds!!!) en la campiña irlandesa y la magnífica labor visual de Geoffrey Unsworth, John Boorman creó una ida de olla con todas las de la ley.

Todo en Zardoz tiene un extraño atractivo, desde el inclasificable look de Connery  (¿alguien se acuerda de Killraven?), Charlotte Rampling y Sara Kestelman, los singulares efectos visuales 100% analógicos, hasta ese guión lleno de conceptos de ciencia ficción, metafísica y vete tu a saber que más.

Boorman caminó por el lado salvaje del cine pretendiendo crear el cruce perfecto entre 2001 y el Planeta de los Simios (todo bien regado de LSD) pero el resultado se queda más próximo al alocado cine de gente como Ken Russell o incluso Dereck Jarman (¿habeís visto Jubilee?).

Tan genial como fallida, tan incomprensible como visualmente bella (esto es marca de la casa), la aventura fantástica de Boorman no resultó un éxito ni a nivel creativo ni económico lo que llevo a nuestro hombre y a su compinche Rospo Pallenberg a realizar toda una misión imposible.

El Exorcista II: El Hereje (1977).

El Padre Lamont (Richard Burton) es enviado a investigar la muerte del Padre Merrin (¿Karras no cuenta?) durante el exorcismo practicado a Regan McNeil hace  cuatro años. Mientras, la adolescente Regan muestra síntomas de que el mal ha vuelto a por ella. Durante una sesión con una máquina que permite compartir el inconsciente de otras personas (¿Comorlll?) el Padre Lamont descubre la verdad detrás de la posesión de Regan por parte del demonio asirio Pazuzu.

El Exorcista 2 o "Esa peli de Langostas", el proyecto de realizar una secuela rondaba la mente de los ejecutivos de Warner desde que vieron las cifras de recaudación del film de William Friedkin. Según el plan inicial la secuela costaría 3 millones de dólares, la protagonizaría  William O'Malley que interpretaría otra vez al Padre Dyer (el amigo de Karras) que investigaría los sucesos de la noche del exorcismo de Regan, los personajes de la primera entrega volverían para ser entrevistados y se usarían tomas descartadas de la primera parte para recrear el exorcismo de Regan McNeil, pero la negativa de la mayor parte del plantel de actores y de William Friedkin obligaron a la Warner a contemplar otras posibilidades.

Una vez fichado John Boorman (que rechazó dirigir la primera entrega) y su colaborador Rospo Pallenberg (según Linda Blair dirigió la mayor parte de la cinta) la cosa derivó en un festival de cine fantástico pseudo-metafísico con un guión chirriante acreditado a William Goodhart pero reescrito por Boorman y Pallenberg (sin acreditar) quedando muy lejos el concepto de film low cost que la Warner se había planteado..

Solo Linda Blair y Max Von Sydow tuvieron narices (usease suculentos cheques) a participar en esta secuela en la que todo (bueno, el guión no) ralla a buen nivel pero es de lo más inapropiado, por ejemplo la música de Morricone.

Visualmente la película tiene momentos impresionantes, como la parte que transcurre en África, (las langostas!!, la capilla en la montaña) pero queda patente que para que las ideas de Boorman brillaran en todo su esplendor la peli necesitaba una enorme cantidad de dinero y medios que la Warner no esta por la labor de conceder y viendo el resultado crítico/económico casi hay que darles la razón.

Una película con la que todo el mundo se ha cebado (no pertenece a la continuidad oficial de la saga) que no se merece la mala fama que tiene, pero el tono del film y las revelaciones que se hacen no encajan con el thriller sobrenatural que parieron Friedkin y Blatty en el 73 pero aún así cuenta con un nivel visual de embergadura defendido por gente como Martin Scorsese (y un servidor).

Antes de finalizar quería recordar al personal que el gran Boorman figura como Productor Ejecutivo del remake de Excalibur que esta preparando ese director caído en desgracia que es Bryan Singer, me temo lo peor. Ummh, Excaaaalibur, ya se que voy a ver esta noche.