viernes, 29 de abril de 2011

TV Eye: Crematorio. HBO made in Spain.


Después de 8 capítulos por fin ha terminado Crematorio, la miniserie basada en la novela del mismo nombre de Rafael Chirbes y premiada en 2007 con el Nacional de la Crítica.
Desconozco la novela (cosa que prometo remediar en verano) pero la serie ha sido lo que este país necesitaba en cuanto a TV. Canal + (productora del invento) después de nutrirse durante una década de la producción del canal estadounidense HBO ha decidido dar el paso que nadie parecía dispuesto a dar: hacer madurar a la ficción televisiva española (en Italia lo hicieron con la genial Roma Criminal que os recomiendo encarecidamente).
Crematorio durante sus escasos 8 capítulos nos narra la decadencia del imperio urbanístico levantado a lo largo de 30 años por el arquitecto y constructor Rubén Bertomeu (José Sancho imponente como siempre), sus tirantes relaciones familiares y sentimentales además de unas cuantas puñaladas traperas (genial el trio: Traian, Collado y Sarcós).
Acompañando a la trama principal están los flasbacks (que darían para una historia aparte de proporciones gigantescas) en los que nos cuentan el ascenso de Bertomeu desde su finca en Misent (localidad valenciana ficiticia) hasta ese cielo de cemento, dinero, y corrupción que el mismo se ha creado y que se está resquebrajando.
Rodada en formato cine, con unas buenas actuaciones en lineas generales tenemos una serie que se aleja de lo que nos acostumbra a ofrecer este país en terminos de TV, nada de Médico de familia, El super, Aida, Física o química ni demás escoria catódica.
Crematorio en un mordisco en la yugular del panorama televisivo que trata el tan conocido como infrautilizado (en temas culturales) asunto de la corrupción urbanística sin medias tintas aunque si bien su reducido formato hace que se pierda un poco de profundidad. Y de paso nos ofrece una versión ibérica de El Padrino o de Los Sopranos conformando uno de los primeros mitos de la televisión española que podríamos exportar sin que nos de vergüenza.
En principio 8 capítulos pero que a nadie le extrañe que Chirbes y Canal +  se alíen para una hipotética continuación.

Tema principal cortesía de Loquillo.


Y un trailer para los indecisos.


Le  recuerdo al personal que en apenas un par de semanas ya se podrá adquirir en DVD o BLURAY por 30 euros. Yo seguro que pico.

martes, 26 de abril de 2011

Visitando el Planeta de los Simios. Segunda parte.

Beneath the planet of the Apes/ Mas alla del planeta de los Simios (1970). Ted Post.


Una nueva nave procedente del espacio y del tiempo aterriza al mando del astronauta Brent (James Franciscus), que acude en busca del desaparecido George Taylor (Charlton Heston). Vuelve a encontrarse con los simios que dominan el mundo, relegando a los humanos a la esclavitud. Sin embargo, con la ayuda de la doctora Zira (Kim Hunter) seguirá las huellas de Taylor hasta la Zona Prohibida, en cuyas catacumbas, lo que son las ruinas del metro de Nueva York, encuentra a una raza humana mutante con poderes telepáticos.


Hoy es habitual que antes de que se escriba una sola linea de un guión para una película el "creador" del mismo ya piense en secuelas, spin offs, series de TV, comics y un sin fin de subproductos que probablemente no verán la luz y le convertirían en multimillonario. Pero en 1970 la cosa no era nada habitual así que cuando la Fox le pidió al productor Arthur P. Jacobs que realizara otra de Simios no sabian que acababan de desencadenar.
Ni Schaffner en la dirección, ni Serling en el guión, ni Roddy McDowall (problemas de agenda) pero con un Charlton Heston que dio el si a cambio de desaparecer al principio de la peli para volver en los minutos finales y (SPOILER) destruir el planeta para evitar mas secuelas que desprestigiaran el original (muy listo pero ni así mr. Heston); y para demostrar su amor por la actuación donó su sueldo a la beneficencia.
El reputado guionista Paul Dehn (Goldfinger) se convirtió en el guardian de los designios simiescos y creó un guión inferior al original pero lleno de conceptos dignos de elogio pero que necesitarían la mano de una mente con más experiencia en esto de la ciencia ficción y que le corrigiese los errores pues si en el primer film se dice que transcurre en 3978 en esta segunda parte Brent afirma que están en 3955.
Con el profesional Ted Post, menos dotado para la dirección que Schaffner pero todo un profesional solvente, y tan solo la mitad de presupuesto que la primera entrega se perpetró una secuela entretenida y original dentro del calco. Me refiero al hecho de que otra vez volvemos a seguir las aventuras de un astronauta, en este caso Brent (Franciscus o Mini Heston), que llega al dichoso planeta/futuro pero esta vez sigue los pasos de Taylor.
Solo en la parte final la cosa tiene verdadero interés cuando descubrimos el verdadero misterio de la Zona Prohibida: (SPOILER) sus habitantes son mutantes con poderes telepáticos y el cuerpo desfigurado que ocultan con máscaras (¿como las fabrican?, ¿quien las diseña?) y que adoran a una bomba nuclear. Como dije antes, si Dehn tuviese la ayuda de alguien mas versado en Sci Fi que le ayudara a pulir sus ideas el producto final hubiese sido mas redondo.
Aunque también es digna de alabar la escena donde se ve una docena de simios crucificados boca abajo y la estatua gigante del Legislador llora sangre, y es que una dosis de violencia y valentía nunca viene mal.
Poca critica social, apuntes de una sociedad simia más militarizada que en la peli anterior y un grupo de simios hippies pacifistas represaliados por gorilas militares.
Siempre he sido consciente de la inferioridad de esta secuela frente a su original pero también proclamo que me doy de hostias con quien sea por defenderla, y es que en el fondo tiene su encanto.
También la vi por primera vez en la Telecinco de los 90 cuando en un par de meses emitieron la saga casi completa (faltó la quinta), parece mentira en una cadena que involuciona cada vez más.


Linda Harrison/Nova, por última vez.



En la siguiente entrega comentaré la trilogía de Cesar tambien conocida como la Saga de la Paradoja Temporal. Paul Dehn a todo trapo y sin freno dando una de cal y otra de arena.
Y es que, digan lo que digan, lo "mejor" estaba por venir.

sábado, 23 de abril de 2011

Reseñas Relámpago Abril 2011.

 Y tan relámpago, lo he escrito en 10 minutazos y se nota.

La Legión del Águila, de Kevin McDonald (2011).


Marco Flavio Aquila (Channing Tatum) siempre ha estado obsesionado con el hecho de que su padre perdiera el estandarte dorado del Águila cuando la Novena Legión se perdió en los confines del norte de Britania.
Convertido en centurión, Marco y su esclavo bretón Esca (Jamie Bell) emprederán la busqueda del estandarte tras escuchar rumores de que es adorado en un lejano templo bretón trás la muralla de Adriano.


El escocés Kevin McDonald es uno de los directores más interesantes que han salido en los últimos años, después de la enorme El último Rey de Escocia y la notable La sombra del poder nos brinda esta adaptación de la novela de Rosemary Sutcliff (adpatada en los 70 por la BBC y primera parte de una trilogía).
Si bien el resultado no está a la altura de sus obras anteriores si es un producto entretenido y de buena factura, la historia es demasiado clásica para mi gusto y no me termino de creer las motivaciones de los personajes, un inicio demasiado largo lastra un film en el que hay que esperar 40 minutos para ver a los protagonistas comenzar su incursión en territorio enemigo para después ver como la historia se desarrola a contra reloj.
Channing Tatum todavía no se ha dado cuenta de que para actuar no hace falta tener músculos hasta en las orejas y Jamie Bell da lo mejor de sí para un personaje mal perfilado. Donald Sutherland y Mark Strong desempeñan roles menores y la verdad es que es una pena.
A pesar de todo McDonald demuestra sus grandes dotes como director y consigue que la película parezca más cara de lo que realmente fue, y es evidente la influencia de John Boorman a la hora de filmar los bosques pues desde Defensa, Excalibur o La selva esmeralda no había visto un entorno natural tan bien rodado.
El definitivo Neo-Peplum debe esperar. Trailer.

Código Fuente, de Duncan Jones (2011).


 El capitán Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) se despierta de un sobresalto en el interior de un tren de cercanías de Chicago. Aunque todos los demás pasajeros parecen conocerlo él no tiene absolutamente ninguna idea de dónde está o, incluso, de quién es. Lo último que recuerda es estar volando en helicóptero durante una misión en Irak, pero aquí parece ser alguien que va a trabajar por la mañana como un día cualquiera. Pero antes de que puede hacer cualquier cosa un tren se acerca por la vía contraria y explota una bomba que aparentemente mata a Colter y a todos los demás pasajeros.


Del segundo largometraje del prometedor Duncan Jones se esperaba más de lo que esta Código Fuente ofrece, si bien la idea es buena y llena de posibilidades la trama del tren es demasiado corta, le falta algo mas de acción, la parte final es demasiado lacrimógena, parece que el tema del atentado era algo secundario y admito que a Jake Gylenhall simplemente no lo trago. Un guión más trabajado y definido podría haber proporcionado el impulso necesario para que Código Fuente fuera recordada como una de las grandes de 2011.
Se ha acusado a Duncan Jones de haberse vendido en su segundo film pero hay que tener en cuenta que para que los productores suelten pasta no basta con tener talento y es necesario poseer algún taquillazo o por lo menos un título rentable en el curriculum, y si Código Fuente funciona a nivel económico puede que financien alguno de los caros proyectos de ciencia ficción (director de género habemus) que tiene en mente Jones. Parece que después de todo hay serias probabilidades de que un Jones triunfe en el cine aunque esperemos que recupere el nivel de Moon. Por si no lo sabeis Duncan es hijo de David Jones a.k.a. David Bowie. Trailer.

viernes, 22 de abril de 2011

Visitando el Planeta de los Simios. Primera parte.


Ya que hasta los monos están de vacaciones aprovecho para repasar la Saga cinematográfica generada por el clásico film El Planeta de los Simios, y recordando al personal que este verano se estrena el nuevo capítulo de la saga: Rise of the Apes, que lo tiene fácil para superar el bluff que supuso la nueva versión de Tim Burton, un director tan genial como irregular.

Planet of the Apes/El Planeta de  los Simios (1968). Franklin J. Schaffner.


George Taylor (Charlton Heston) forma parte de una tripulación de astronautas a bordo de una nave espacial (en una misión cuyo fin nunca ha sido aclarado del todo) que se estrella 2.000 años después de su partida en un planeta desconocido y aparentemente carente de vida inteligente. Sin embargo pronto se da cuenta de que el lugar está gobernado por una raza de simios inteligentes que esclavizan a los seres humanos (carentes de la facultad del habla). Cuando su líder, el doctor Zaius (Maurice Evans), descubre con horror la capacidad de hablar de Taylor (único superviviente de la tripulación), decide que lo mejor es exterminarlo para proteger los secretos que esconde la civilización simia.
Taylor ayudado por los científicos Aurelio (Roddy McDowall) y Zira (Kim Hunter) buscará desentrañar los misterios de esta civilización al revés en la misteriosa Zona Prohibida.


Guerra Fría, lucha por los derechos civiles, acción, aventura y una de las escenas finales definitivas de la historia del cine, todo eso se encuentra en El Planeta de los Simios.
Si esperabais una avalancha de datos y anécdotas de rodaje os recomiendo el magnifico documental que incluye la edición especial de El planeta de los Simios, yo doy mi punto de vista de fan.
Con esta película Charlton Heston, el viejo facha, el presi de la Asociación Nacional del Rifle, el enorme actor iniciaba su sorprendente y magistral Trilogía de Ciencia Ficción Progre junto a El último hombre vivo y Cuando el destino nos alcance.
No me acuerdo cuanto tiempo ha pasado desde la primera vez que la vi, solo se que fue en una Telecinco que había reducido notablemente la cantidad de tetas y culos de su programación (Tutti Frutti y otras genialidades noventeras) y comenzó a programar cine de calidad en horarios decentes (ver para creer) solo sé que la publicidad nunca se me hizo tan larga.
La película no me parecía anticuada, Taylor me sorprendía con ese carácter tan cínico del principio, el maquillaje era efectivo y creíble, los guiños humorísticos eran geniales como los de la cacería inicial donde vemos a los simios hacerse fotos.
Y ese tercio final in crescendo, con  juicio, evasión, revelaciones, la sopresa final y ese grito de: Maniacos!!!. Me voló lo sesos.
Pasó el tiempo y la volví a ver e incluso la compré en DVD y me seguía sorprendiendo, la verdad es que  hasta hace un par de años nunca me había fijado en que cuando la nave de Taylor se estrella uno de sus compañeros le grita: Envía la señal!!. ¿Coartada para la secuela o casualidad?, me decanto por la segunda opción pues las secuelas no eran algo habitual en aquellos tiempos y los proyectos no nacían como sagas con sus spin offs y demás inventos saca-cuartos.
Lo que siempre me intrigó fue la Conspiración, me gustaría ver una versión de la peli centrada en el doctor Zaius y sus tejemanejes para evitar que la verdad salga a la luz y no estaría de mas que nos mostrasen como las pasó Landon, el otro astronauta capturado por los simios y que solo volvemos a ver lobotomizado por Zaius.
También le pille algunos fallos como el hecho de que los simios parecen muy avanzados para unas cosas como el tema armamentístico. Tienen fusiles y pistolas, material que no te fabrica el herrero del pueblo y que requiere de precisión en su elaboración, al igual que sucede con las balas. Esto me lleva a pensar que su nivel tecnológico debería ser más alto, peeeeeeero... es una peli y no le hay que dar más vueltas.


Una peli que hay que ver una docena de veces antes de morir aunque solo sea por  Nova (Linda Harrison ). Heston viejo cabrón afortunado.
En 1968 se estrenó 2001: una odisea del espacio, con ella Stanley Kubrick pretendía demostrar que se podían hacer films de ciencia ficción con contenido, que invitaran a la reflexión y técnicamente bien resueltos.
Pues el productor Arthur P. Jacobs junto con Schaffner y el escritor Rod Serling demostaron en ese mismo 1968 que se podía hacer todo lo que Kubrick pretendía y de paso hacer pasar un buen rato al espectador (2001 entretenida, entretenida...., pos'no).



Proximamente: Más allá del Planeta de los Simios

miércoles, 20 de abril de 2011

Proximamente en este Blog.... Tachaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaan!!!



Doctor Zaius, Doctor Zaius, tuti tuti tuti tu...
Doctor Zaius, Doctor Zaius, tuti tuti tuti tu...
Doctor Zaius, Doctor Zaius, tuti tuti tuti tu...
Ooooh!, Doctor Zaius.
Doctor Zaius, Doctor Zaius.

Fabuloso no-premio al que se vaya oliendo la tostada.

domingo, 17 de abril de 2011

Escenas para recordar.

Respondiendo al reto planteado por Einer del blog Almas Sucias ahí van mis escenas para recordar.
Actualizado: Si leen esto Lazoworks, David (Intramuros), Pepe Cahiers, Insanus y Gary Tormento que sepan que están nominados para hacer otro si les da la gana,  y si no lo hacen pues mejor pa'ellos que no se han dejado manipular y que pasen una buena Semana Santa.

Escena más graciosa: En Amici Miei (1975) de Mario Monicelli hay muchas escenas cómicas para elegir pero sin lugar a dudas la más conocida y la más graciosa es la escena de la estación de tren.
En ella podemos ver a los 5 cabroncetes protagonistas dedicándose a despedir a los pasajeros del tren de una manera un tanto peculiar.



Escena más triste: Un borghese piccolo, piccolo (1977) otra vez Monicelli pero esta vez tenemos la otra cara de la moneda. El protagonista Giovanni Vivaldi contempla el cadáver de su hijo que acaba de ser asesinado ante sus propios ojos. Gran película tragicómica.




Escena más alegre: Vamos a ver al Mago de Oz. Los protas rebosan tanta felicidad que me dan arcadas.





Escena agridulce: El final de Gran Torino.




Escena más rara: El sentido de la vida (1983). La mitad de la película: ¿Donde está el pececillo?. Explicadmelo por favor.



Escena más perturbadora: En Defensa (1972) de John Boorman tenemos un claro ejemplo de los males del senderismo y de ser un dominguero. Chilla cerdito!, Chilla!!. Pobre Ned Beatty.






Escena con más suspenso: el final de Buried (Enterrado), la arena, las prisas, que me ahogoooooo (así estaba yo en el cine).



Escena más aterradora: La decapitación del fotógrafo que interpretó David Warner en la inmortal La Profecía.



  
Escena más romántica: El Imperio Contraataca, Leia y Han.




Mejor diálogo: ¿un rey? pues yo no le he votado...
Monty Python por duplicado.



Mejor escena sin diálogos: Hasta que llegó su hora. sin palabras me he quedao.



 

Mejor escena de pelea: Bruce Lee VS Kareem Abdul Jabbar. ¿Acaso había alguna duda?




Mejor escena musical: Tommy (1975). The Who + Ken Russell = Mezcla explosiva.




 

Mejor escena de baile: Ya es hora de que se la haga justicia a esta peli: Fiebre del Sábado Noche.



 

Mejor discurso: Harry Callahan y su Magnum 44.

 
Aquí para verlo en castellano (estúpida inserción desactivada por solicitud).


Mejor comienzo: El planeta de los Simios (1968). Siempre me ha gustado ese comienzo con Heston compartiendo reflexiones fatalistas con el ordenador de la nave, los créditos fantasmagóricos y ese aterrizaje sin mostrar la nave. Aquí podéis ver parte del inicio.



 
Mejor muerte: Quería poner la del sheriff Baker (Pat Garrett and Billy the Kid) pero para no repetir (la incluyó Einer). En su lugar va la muerte que merecía Tony Montana (le quiero/ le odio).




Mejor clímax: La batalla final de Excalibur (1981). Lo tiene todo.



  Mejor final: No puedes matar al hombre del saco o Michel Myers nunca muere, Bwa ha ha ha!!!



 

La escena que jamás debió ser filmada: MI-DI-CLO-RIA-NOS. ¿Hace  falta decir mas?.

 
 

La mejor escena de la historia: Te he visto venir borde, cagón!.


Eso es to..., eso es to..., eso es todo amigos!

jueves, 14 de abril de 2011

Salvando al soldado Pérez, de Beto Gómez (2011).


















Corre el año 2003 cuando el poderoso narco mexicano Julian Pérez (Miguel Rodarte) decidido a reconciliarse con su madre y su hermano Juan, que huyeron a Estados Unidos para alejarse de Julian. Una vez allí descubre que la única manera de volver a contar con el favor de su madre es traer de vuelta a Juan, que se ha enrolado en el ejército americano y está prisionero en Irak
Julian pondrá en marcha a su poderosa organización y reclutará a un grupo de hombres compuesto por: el veterano don Chema, el piloto Rosalío, el sicario y enemigo de Julian conocido como el Pumita y por último el mejor amigo de Julian: el indio Carmelo. Los narcos acompañados por el ruso Sasha se las verán con insurgentes iraquíes y soldados americanos con el único objetivo de salvar al soldado Pérez. Tomateeeeeeeees!!!!!!!!!!!!!!!.




Salvando al soldado Pérez es una de las películas más caras del cine mejicano y nos propone una historia divertida y sin complejos o pretensiones de ninguna clase, y es que con semejante argumento uno debe hacerse a la idea de que esto no es El Séptimo Sello.
Muchos guiños cinéfilos como el claxon con la música de El Padrino, cuantiosas referencias a El Precio del Poder, y un guión que recuerda (obviamente) a Salvar al soldado Ryan, Los 12 del patíbulo y a la magistral mezcla de comedia y acción que fue Los violentos de Kelly (una de mis pelis favoritas).
A pesar de sus buenas intenciones la película tiene sus defectos como la escasa caracterización de personajes (salvo Julian), se echa en falta mas protagonismo para los miembros del narco comando de rescate pues quitando sus escenas de introducción casi pasan desapercibidos, y escenas como la del oleoducto podían haber dado mas de si pero el presupuesto manda.
Podemos ver alguna cara conocida como Gerardo Taracena al que recordaréis de películas como Apocalypto (el perseguidor cabrón) y la mítica Isela Vega que encarnó a Elita, la compañera de Warren Oates  en Quiero la cabeza de Alfredo García.
Una película que no te volará los sesos ni cambiará tu vida pero te sacará más de una sonrisa y una carcajada que en estos tiempos no es poco (y es de agradecer).


Habrá que cruzar los dedos para que llegue a nuestras pantallas, aunque ya circula por la red (se estrenó el 18 de marzo de 2011).
Tomateeeeeeeeeeeees!!!!!!!!!!!

martes, 12 de abril de 2011

Celluloid Heroes (7): Hoy... Jack Carter, Anti héroe Made in Britain.


1971 fue tremendo en términos cinematográficos, La naranja mecánica, Perros de paja, French Connection, Las noches rojas de Harlem, Harry el Sucio y una auténtica joya que llegó de las islas británicas: Get Carter Asesino Implacable (Toma Traducción).
Sir Michael Caine (de mayor quiero ser como el) interpretaba a uno de los cabronazos más grandes que se ha visto en una pantalla de cine: Jack Carter. Un gangster que vuelve, en contra de los deseos de sus jefes, a su Newcastle natal para investigar la muerte de su hermano. En su regreso a casa, Jack encontrara las cosas muy cambiadas y no para bien. Asesinatos, mafias, drogas, violencia de genero, misoginia, pornografía y sexo telefónico se incluyen en guión potente y durísimo para 1971 (hoy el Ministerio de Igualdad prohibiría esta peli por el trato a la mujer).
Caine se desenvuelve magistralmente como el frío Carter, un tipo muerto por dentro que encuentra en la violencia la única forma de demostrar amor por su hermano fallecido.


Cine violento en intenciones y en imágenes sin recurrir a la casquería, filmado de una manera naturalista por Mike "Flash Gordon " Hodges. En resumen: CINE DEL QUE YA NO SE HACE.
A continuación podéis ver un vídeo de Roy Budd interpretando el mítico tema principal de Get Carter. Otra pieza irrepetible.


Cada vez tengo mas claro que aunque la tecnología avance, la sociedad retrocede. Repito: esta peli es la releche para ser de 1971. Olvidaos del remake de Stallone.
EDICIÓN EN DVD YA!!!!!!!!!!!!

domingo, 10 de abril de 2011

Adiós tío Sid.


Adiós al enorme Lumet. Como homenaje voy a abrir la ventana y gritar: 

¡¡Me estoy volviendo loco y no lo soporto más!!..."

Y después pinchare la canción Amoreena (B.S.O.  Tarde de Perros) del Elton John que no daba vergüenza ajena (musicalmente).


Siempre son los mejores los que se van, el problema es que no hay buenos "recambios".

sábado, 9 de abril de 2011

Hobo with a shotgun, de Jason Eisener (2011).


Un vagabundo (Rutger Hauer) llega a una desolada ciudad buscando el dinero suficiente para comprar un cortador de césped con el ganarse la vida como jardinero. La violencia, la corrupción y la podredumbre que contempla en las calles harán que decida cortar las malas hierbas de la ciudad con... una escopeta.




Empecemos con una lección de historia, Eisener ganó un concurso de trailers falsos para el Grindhouse que perpetraron Tarantino y Rodriguez en 2007. Su creación fue Hobo with a shotgun y el dichoso trailer solo fue visto en Canadá.


Casi 4 años después llega su versión cinematográfica con una auténtica estrella como protagonista y solo puedo decir que Eisener le ganó la partida a los encumbrados Tarantino/Rodriguez. No quiero decir que Grindhouse apestara solo que me pareció una versión demasiado estilizada y millonaria del cine trash 70's, quitando momentos puntuales había poca autenticidad.
Eisener ha conseguido una película extrema y muy física, me refiero a esos colores saturados, los disparos que suenan como cañonazos y esa violencia tan típica de films de vídeo club ochentas (tipo Troma) que te sacan una sonrisa mientras tu cuerpo responde como si sufriera el castigo que se ve en pantalla.
Y que decir de Rutger Hauer, un currante del cine que tanto trabaja con Verhoeven, como con Stallone, Ridley Scott, Richard Donner, un sin fin de de pelis que caminaban por ese limbo que hay entre Hollywood y la serie B (enorme Carretera al infierno, enorme) y algún papel pequeño en clásicos modernos como Sin City o Batman Begins. Hauer borda el papel, no se lo toma a cachondeo y lo saca adelante con mucho oficio.
También se merece un premio esa ambientación ochentera, ese Delorean de baratillo, la ropa, las recreativas, la banda sonora a base de sintetizadores y el tema musical final, esto si es Grindhouse.
Influencias a parte (los films de justiceros de los 70, Taxi Driver, etc...) se puede decir que Hobo... forma parte de esos films sobre justicieros crepusculares como Gran Torino o Harry Brown pero en versión extrema, conviertiendola en una experiencia única.


De lo mejorcito de 2011. Una peli que no te puedes perder. Y no me llevo comisión de los productores.

miércoles, 6 de abril de 2011

30 años, 30 Singles (10). Aerosmith, Sweet Emotion.





















Aerosmith fueron mi primer amor en esto de la música, gracias al Get a Grip de 1993 con la vaca de la portada, los vídeos de Alicia Silverstone y las baladas lacrimógenas que los llevaron a la popularidad en España (gracias a la disusión machacona de los 40).
Decidido a no esperar a que sacaran otro disco (el que sería el irregular 9 Lives) decidí que mejor me hacia con su producción anterior y así descubrí realmente a Aerosmith. Aunque me gusta toda su discografía (incluidos los discos sin Perry y Withford) siempre le tendré un especial cariño al Toys in the Attic, disco al que pertenece la genial Sweet Emotion.
Una banda capital en el rock americano y uno de los muchos padres que tuvo el movimiento hardrockero angelino de los 80 (Motley, Ratt, Guns....).


Y a modo de curiosidad tenéis el vídeo que se curraron para promocionar la Box Pandora's Toys en 1991.


Espero que Steven Tyler deje de lado sus aspiraciones de convertirse en Justin Bieber de 60 tacazos y vuelva al redil cuanto antes.

domingo, 3 de abril de 2011

NOKAS, de Erik Skjoldbjærg (2010).


El día 5 de Abril de 2004 a las 8 de la mañana, 11 hombres armados y vestidos de equipo SWAT asaltaron la sucursal de NOKAS (Norwegian Cash Service) en Stavanger (Noruega) llevándose la cifra de 57 millones de coronas después de bloquear e incendiar  la salida de la estación de policía. Esta es su historia.




Erik Skjoldbjærg dirigió en 1997 Insomnia, la peli que Chris Nolan versioneó con agradables resultados cinco años después, y ahora nos presenta NOKAS. Abordando los hechos desde una perspectiva casi documental, como si los implicados (polis, ladrones, empleados) aceptaran tener una cámara cerca durante los hechos, Skjoldbjærg consigue que el espectador viva la película  como si realmente estuviera en medio de la acción aun a riesgo de obtener algún que otro momento confuso.
NOKAS te hace olvidar la pesada etiqueta de "Basado en hechos reales" por su imponente planteamiento narrativo y argumental, la chicha no está tanto en "como lo hicieron" sino en  "como lo vivieron" los diferentes personajes que vemos en pantalla.
Un muy buen ejemplo de como obtener oro cinematográfico de un conocido hecho delictivo o suceso sin caer en la TV barata, como suele pasar en España con las penosas adaptaciones de las historias del Solitario, el 23 F o la próxima del Alakrana.
100 minutos tensos, interesantes, bien contados y muy entretenidos (que a fin de cuentas es lo que importa).



No estrenada en España y parece imposible que lleguemos a verla en nuestro idioma, así que...

viernes, 1 de abril de 2011

El ataque del Glam Rock (1).

Pop/Rock pegadizo y de alta calidad, mezclado con una estética colorista y fantasiosa bien regada de provocación sexual. This is Glam Rock!!!!
La explosión del Glam Rock se llevaba fraguando desde 1971 pero fue en el verano de 1972 cuando los nuevos héroes del rock británico asaltaron las radios de todo un país para dar a conocer un nuevo "movimiento" musical, estético y sexual.
El tradicional trasvase de influencias entre Estados Unidos e Inglaterra sufrió su primer revés pues la ambigüedad sexual, la temática "cachonda" de las canciones eran demasiado provocativas para los americanos, que ya tenían problemas con uno de los grandes nombre del rock USA: Alice Cooper.
La historia del Glam Rock se puede contar de muchas maneras pero a mi siempre me gustó la perspectiva de que esta es la historia de 2 amigos que conquistaron el mundo musical a principios de los 70: Marc Bolan y David Bowie. Estas dos lumbreras se conocieron en los 60 cuando les tiraba el rollo folkie, incluso acordaron formar un grupo juntos pero la empresa acabó mal pues cuenta la leyenda que el poco equipo que tenían les fue robado.


Bolan grabó la guitarra en la canción de Bowie The Prettiest Star de 1970. Pero fue el lanzamiento del single de T-Rex (la banda de Bolan) Ride a white swan lo que dio pie a una avalancha de lentejuelas, maquillaje, androginia y mucha provocación sexual.

T-Rex.


Para mi Marc Bolan y sus T-Rex fueron y serán los auténticos Reyes del Glam Rock. No solo fueron los "padres" del invento sino los que más perfeccionaron una fórmula tan simple como genial. Riffs simples y muy pegadizos, hasta repetitivos pero nunca cansinos (a lo AC/DC), pop mezclado con la dosis exacta de hard rock, la producción de un auténtico maestro del asunto como Tony Visconti (colaborador necesario en la carrera de: David Bowie, sorpresa!!!) y mucha jeta. Esta era la receta para crear un fenómeno como la T-Rexmania, algo jamás visto desde los Beatles.
Bolan no consiguió el respaldo del público americano y atravesó una etapa de declive de la que parecía salir a finales de los 70 cuando fue reivindicado por la generación punk. Un desafortunado accidente de trafico acabó con la vida de este pequeño gran genio en Septiembre de 1977.


Que me aspen si el del piano no es el mismísimo Elton John!!!!
Como degeneró este hombre.

David Bowie.


El eterno dilema ¿David Bowie o Ziggy Stardust?, ¿actor o personaje?, ¿quién fue el responsable de uno de los más revolucionarios éxitos de los 70?, los dos tienen gran parte de culpa.
Bowie llevaba camino de convertirse en un One hit wonder después de su Space Oddity, supuestamente inspirado por la reconversión rockera de su amigo Marc Bolan, nuestro hombre dio el paso necesario para llegar al éxito: mutó en un alienigena llamado Ziggy.
Ziggy Stardust acompañado por su banda The Spiders From Mars, con el inolvidable Mick "Ronno" Ronson a la guitarra, se convirtieron en la sensación de 1972 por su música  y la presencia escénica del andrógino alien Ziggy/Bowie  y su complicidad con Ronson (famosas las felaciones a la guitarra de Ronno).
En 1974 ya queda poco del ídolo glam Rock que emigra a los USA para arraigar en ese país e iniciar una serie de mutaciones siempre interesantes a pesar de algún que otro desvarío.
Durante el debut de Bowie y sus compinches en el popular show televisivo Top of the Pops se produjo un hecho que cambiaría la visión de la música de mucha gente y que alertaría a la sociedad bienpensante de UK: Bowie pasa su brazo alrededor del cuello Ronson. Eran tiempos más inocentes.



Roxy Music.


La banda de Brian Ferry, Phil Manzanera, Brian "U2" Eno, Andy Mckay y Paul Tompson no  fueron los típicos buitres que se aprovechaban del fenómeno de moda para fraguar un efímero éxito. Roxy Music era rock de vanguardia pero sin caer en la pomposidad y el egoísmo instrumental del Rock Progresivo.
Sus dos primeros albumes con Eno dando un barniz experimental a canciones pop diseñadas por Ferry son de obligada escucha para cualquiera que se precie de tener buen gusto musical. Desde la marcha de Eno la producción de la banda mantiene un buen nivel pero el riesgo disminuye mientras la comercialidad aumenta.
Eno debutó en solitario facturando un par de albumes pop con autenticas joyas como Needle in the camel's eye antes de pasarse al sonido ambient amén de iniciar una exitosa carrera como productor.
Roxy Music, un ejemplo de comercialidad y experimentación bien entendidas... no como alguna banda actual que yo me sé.



Slade.


Slade tenían una pinta de Banda'Gañanes a mas no poder, pero unos tipos que compusieron 17  canciones que entraron en el Top 20 con 6 números 1, 3 de ellos entrando directos al primer puesto, en los charts  desde 1971 a 1976 debían ser algo mas que unos paletos. Este record es solo comparable a lo que consiguieron los Beatles en los 60, década en la que comenzaron SladeSkin. Esta gran idea provino de su manager Chas Chandler, antiguo bajista de los Animals y manager del difunto Jimi Hendrix. Se alejaron de aquella  maniobra promocional y decidieron convertir las faltas de ortografía deliberadas en los títulos de sus canciones en marca de la casa.
Llegaron a protagonizar su propia película (Slade In Flame) y consiguieron salir del ostracismo ,al que fueron sometidos por las hordas punk y New Wave, a principios de los ochenta con una corta racha de nuevos éxitos.



The Sweet.


Siempre consideré a Sweet como el prototipo estético de Mötley Crue pero estoy divagando.
Sweet comenzaron como uno hábiles interpretes de pop almibarado compuesto y producido generalmente por el duo Nicky Chinn y Mike Chapman (responsables de éxitos para otros muchos artistas del género). La cosa cambia cuando incrementan la potencia rockera de su música y se ganan el cielo y el aplauso del público con su archiconocida Ballroom Blitz.
En 1974 graban otra de sus grandes canciones: Fox on the run, esta vez compuesta por el grupo sin intervenciones externas.
Su popularidad disminuye, adicciones, malos rollos internos dan al traste con el grupo que entra en la inquietante fase de entrada y salida de miembros, separaciones y reuniones. Las muertes de Brian Connolly y Mick Tucker y la escisión de la banda en 2 formaciones lideradas por Andy Scott y Steve Priest respectivamente impiden una reunión en toda regla.


Aún quedan mucha historias que contar pero eso será otro día.
Free counter and web stats